FRIKI PERO POCO

MEGAUPLOAD y la información perniciosa

2012-01-26T01:16:00.000Z

Me fascinan los mecanismos de la información. Cuando leo la prensa no dudo nada de lo que me cuentan, de lo que leo... por dos motivos: ¿por qué iba a mentir un periodista cuando lo leen miles de personas y es fácil pillarlo en un dato mal colocado? Y en segundo lugar, porque no me entero de nada y soy medio tonto en prácticamente todas las cuestiones que realmente importan.

Por otro lado, si en una información de cine o de algún campo macrofriki que me guste (desde Mazinger Z hasta la irascibilidad de Groucho Marx) leo algo que no es correcto, me pongo de los nervios porque todo el castillo de naipes de la prensa cae ante mis ojos: si veo tantos errores en los reportajes que comprendo, en los que no controlo, me deben engañar como a un chino.

Y ocurre todo este rollo patatero de Megaupload. Ya saben mi opinión sobre el tema, pero si tú, que lees esto, estás de acuerdo con que cierren el servicio, chico, respeto tu opinión. Yo era Premium y no sólo descargaba series y películas sino que además, tengo la mayoría de los anuncios que he hecho para televisión en la nube. ¿Había una forma mejor de pasarle un anuncio de un giga a un cliente sin llevarle un DVD físicamente? No. El FBI tiene 50 anuncios míos capturados.

Y ni siquiera quiero hablar de esto. Quiero hablar de cómo se ha torcido la información, como se ha manipulado tan hábilmente que, en vez de cabrearme, me ha dejado impresionado el poder de los medios. En pocas horas, pasamos de plantearnos si el cierre de Magaupload era bueno, legal, malo, horroroso o si era el fin de una era para... hablar del avión del tipo, de lo gordo que está, de su pasado truculento, de fiestas - incluso de orgías- y de las mentiras que contaba...

Y de repente, en mi entorno de trabajo, ya se levantan voces contra Megaupload porque "el tipo se ha hecho rico a costa nuestra", "porque es un depravado", "porque sus chaquetas son de tal marca" y "porque, de verdad, está muy gordo". Y la prensa habla de lo mal tipo que es, casi desagradable... y ya nadie duda de que Megaupload es malo. Porque el tipo es gordo.

PD: Mis spots los tiene el FBI. Me disculpo ante ellos: son anuncios flojitos, de bajo presupuesto y sólo se ven en las Islas Canarias. Hasta el otro día, era información casi personal. Hay muchos archivos que ni siquiera están terminados... eran avances para ver si la línea que tenía el anuncio le gustaba al cliente. Y posiblemente, no me acuerdo bien, puedan encontrar algún archivo comprimido con unas fotos de las pasadas vacaciones (y a lo mejor alguna foto del Festival de Úbeda. "Síííííí, estoy con Michael Giacchino").

Si el dueño de Megaupload fuera guapetón y, por ejemplo, le hubieran dedicado una película tipo La Red Social, tendrían que haberse inventado otra excusa para desviar la atención. Han tenido suerte: no nos gustan los gordos.

Germán Areta y los Oscars

2012-01-25T13:27:00.001Z

Ayer, como un niño de 14 años, volví a vivir la emoción de los Oscars. Y sinceramente, estoy cansado de todos esos que dicen "este año no los veo" y "las nominaciones han dejado demasiada gente fuera". Señores, los Oscars son lo que son: la mejor fiesta que rodea al mercado del cine. No se premia lo mejor, ni están todos los que son, pero todos los actores se ponen sus mejores galas, saben lo que se juegan ante un público de mil millones de espectadores y el espectáculo es eso: espectáculo con mayúsculas.

Y sólo pensar en los montajes musicales y visuales, se me pone la piel de gallina.

Y las películas, al contrario que otros años, tienen el apoyo del público. Prácticamente todo el mundo adora El Artista, y creo que todas las demás películas son fantásticas, incluida MoneyBall (y es que normalmente odio las películas de béisbol).

Para más inri, doble nominación de Williams y una nominación a la absolutamente extraordinaria canción Man or muppet de la nueva película de Los Teleñecos (los que siguen Como conocí a vuestra madre la disfrutan más todavía) en la que actúa la cada día más grande Amy Adams.

Para mi, las galas de los Oscars son una tradición. Las veo desde el año 1.983, aunque en directo riguroso desde el año 1.985. Y me las sé casi de memoria porque las veo y las reveo. Y me acuerdo del magnífico clip de Irene Cara, de la primera vez que oí cantar a Bernadette Peters o del cuarteto que presentaba la gala del 83 (tres de ellos, ya desaparecidos): Richard Pryor, Walter Matthau, Dudley Moore y Liza Minelli.

Y me acuerdo del bombo y platillo que se le dio a Volver a Empezar, la película de Garci (que con sus cursiladas, sigue siendo fantástica). Y de recuerdo en recuerdo, he llegado al magnífico prólogo de El crack, que es la gran película de Garci.

Y es una secuencia muy representativa de lo que es el cine de Garci (y que, aunque lo suelo criticar bastante, es evidente que me gusta) porque tiene todas su grandes virtudes y todos sus grandes defectos. Entre sus virtudes, un tempo y una planificación de Escuela de Cine. Entre sus defectos, el exceso de verborrea en los actores secundarios y el maldito doblaje (doblar una película española al español es un error, mire por donde se mire. Y lo de Encarna Paso en Volver a Empezar es de juzgado de guardia).

Pero la planificación y la historia es tan exquisita que da gusto ver la secuencia. Los que no han visto la película que no esperen más, pero pueden ver la secuencia porque es, como en Indiana Jones o en James Bond, una pequeña aventurita antes de que empiece la historia de verdad. Presentan al duro detective Germán Areta.

Y puestos en su contexto: era impensable que las películas españolas de la época fueran así. Era impensable que Alfredo Landa hiciera un papel de estas características. Era impensable que en una película se hablara de boxeo y se jugara al mús. Y era impensable que la Gran Vía pareciera un barrio más de Nueva York. Todo en El Crack es nuevo en el cine español, aunque sea viejo y huela a humedad.

Y hay dos movimientos de cámara que me fascinan: el de 1:12, no sólo por la elegancia sino porque muestra como el detective se percata de toda la historia pero sigue a su rollo. Y, por supuesto, la pequeña grúa de 4:38 en donde culmina la aventura. No se puede narrar mejor.

Monólogo de Gervais en los Globos de Oro

2012-01-17T14:21:00.000Z

Un alma caritativa ha subtitulado el monólogo, aunque el inglés de Gervais es clarito. en este subtitulado no se pilla el doble sentido de "El Castor" de Jodie Foster. Pero es lo que hay.

Gervais, tan brutal, tan simple, tan sincero... hace que la comedia parezca sencilla y sin embargo, una vez que comienza a hablar, uno no puede dejar de mirar y reir. El espectáculo en su esencia más pura: un tipo de pie y un micrófono.

Como decíamos ayer: Millenium de Fincher

2012-01-16T13:44:00.001Z

Billy Wilder, que es un bonito nombre para empezar un post, decía en su magnífico libro-entrevista que se deberían hacer remakes de las películas malas, las que se pueden mejorar. Las buenas, ni tocarlas. Yo creo que es un consejo memorable que Hollywood se salta a la torera intentando hacer nuevos éxitos de éxitos del pasado.

Dicho esto, lo que viene a continuación puede crear cierta polémica, pero a mi me gustó bastante la primera película, la sueca, de Los hombres que no amaban a las mujeres. Y no hablo de la segunda y tercera que son más flojitas y con una aire televisivo que me molesta profundamente.

Pero la versión sueca no sólo estaba bien realizada sino que tenía esa atmósfera malsana tan poco habitual en una película americana. Pero era mejorable y para eso, los americanos del norte que se dedican al cine, son unos genios.

Y sin embargo, he salido del cine defraudado.

Que David Fincher es uno de los mejores directores actuales no me cabe duda (la realidad es tan cruda que tampoco tiene demasiada competencia). Creo que es un tipo astuto como narrador y que cuando el guión está a su altura es capaz de escupir una obra maestra como Zodiac. Y me dejó literalmente tirado en la butaca de cine con sus movimientos de cámara imposibles en La Habitación del Pánico.

Pero si le tengo cariño a su excesiva frialdad como cineasta es porque ha recuperado el noble arte de los títulos de crédito en sus películas. Si se escribiera un libro sobre Títulos de Crédito maravillosos, Seven debería figurar como el film que hace resurgir este arte que los amantes de las bandas sonoras amamos tanto: música e imágenes que predisponen al espectador.

La historia que narra Millenium I es magnífica: tiene tensión, tiene cierto ritmo decadente, tiene flashbacks, tiene acertijos y sobre todo, tiene con creces magníficos personajes. Y todo eso ya estaba en la primera película.

Lo que ha hecho Fincher es depurar personajes, reescribir alguna situación, enmarcarlas en decorados que difícilmente pueden ser más espectaculares que en la versión sueca y fundamentalmente, dirigir la situación mucho mejor que su predecesora.

Por tanto, si la historia es buena y Fincher lo hace bien... ¿Qué es lo que decepciona? Pues que no vale la pena. El director aporta oficio pero ningún cambio de estructura, ninguna sorpresa, ninguna escena que digas "guau, esto si que es mucho mejor". En realidad, lejos de hacer una limpieza brillante, lo que hace es tan sutil que es incoloro. Y si esa mejora es imperceptible, pues normalmente uno se queda con la cinta original. Por eso, por ser la cinta original.

Los personajes (los actores de la versión americana están desmesuradamente fantásticos: Craig, Plummer y Skarsgard) tienen menos dimensiones. Por decirlo de alguna manera en españolito: Salander deja de ser esa mujer que no sabes en lo que está pensando en la película sueca, para ser tener una personalidad mucho más definida, menos misteriosa y además, más correcta. Y eso, es malo.

Por otra parte, tengo la terrible sensación de que en la versión sueca las cosas estaban mejor explicadas. La importancia de la revista Millenium, muy bien explicada en la versión europea, queda relegada a un segundo plano en la americana. Ese pequeño refugio para periodistas enteros que quieren escribir y vivir el auténtico periodismo desaparece hasta el punto de que llamar a la película Millenium es una auténtica contradicción.

Por tanto, entre todo este caos que he escrito, quiero dejar claras dos ideas: la película americana es buena, incluso muy buena, pero no marca las diferencias con la europea, que también era muy digna. Y si nos ponemos más pijitos: esta versión está muy cuidada, con una planificación muy neutra para ser de Fincher, con mucho plano medio y primer plano, una foto fantástica y eso sí, una banda sonora absolutamente deplorable (que lástima de música. Sólo pensar en lo que podría haber compuesto un Howard Shore o un James Newton Howard con este guión... da una rabia).

Y a la hora de la verdad, se agradece una buena historia para adultos. Con personajes reales, con gente cincuentona, con mujeres y hombres con arrugas en el rostro, con bagaje... Me encantan las películas de superhéroes, de saltos y de zombies, pero no sólo de eso vive el cinéfilo.

PD: Empezar con este post tras el parón navideño ha sido complicado. En la recámara me gustaría hablar de los Globos de Oro de ayer, de la música de la saga Crepúsculo, tan hermosa y tan poco relacionada entre películas, de la actriz que ha denunciado a IMDB por publicar su edad... con el tiempo, todo se andará... Y de los Kennedy Center Honors, y de Glee, y de Fringe... joer, tantas cosas y tanto lío...

Misión Imposible 4, de Brad Bird

2012-01-04T11:47:00.000Z

En estas Navidades, he vuelto a ver La Rodilla de Clara y El discreto encanto de la burguesía (que han aparecido de repente en Cinetube). Pero esto es una vulgar excusa porque a la hora de actualizar un poco el blog, la película sobre la que me apetece escribir es Misión Imposible 4, de Brad Bird.

Soy un fan de la saga que comenzó Brian dePalma por varios motivos, pero esencialmente porque me lo paso bien. Cada película es diferente a la anterior, llegando a la maestría de Abrams en la tercera parte. Y lo que ofrece son esos acabados perfectos tan complicados de ver hoy en día, que necesitan imperiosamente una fuente de palomitas gigante. Dicho de otra manera, Misión Imposible 4 me produce esas sensaciones que me producían las películas cuando tenía catorce años.

Para que nos entendamos: grandes secuencias (y cuando digo grandes, son grandes. Y el que la haya visto, que piense en la secuencia de la tormenta de arena); localizaciones exóticas con grandes planos generales y música local; elegancia suprema en el vestuario (si hasta yo, que soy miope con el vestuario femenino, me quedé alucinado con el traje verde de la foto); grandes efectos especiales invisibles, de esos que todavía te preguntas como diablo los han hecho (la respuesta sencilla es "con ordenador". La complicada es "Vale, con ordenador, pero... ¿cómo?")

Y con todo, Misión Imposible tiene personalidad. Que nadie la confunda con un producto de acción al uso. Las cuatro películas de la saga que hemos visto hasta ahora están dirigidas por verdaderos directores de cine. Y cada una tiene su encanto y su personalidad definida.

Es difícil hablar de Brad Bird porque la premisa de la que partimos es rara: esta es su primera película como director pero tiene tres obras maestras en su bolsillo: El gigante de Hierro, Los Increíbles y Ratatouille (y yo siempre he creído que Los Increíbles es cine superior). Por tanto, es un director de animación que hace su primera película real. Los críticos de las revistas, esa rara generación friki con la que no me llevo bien, lo tienen fácil a la hora de destrozar la película: Bird trata a sus personajes como dibujos animados. Sí, esto lo he leído. Lo que el crítico no sabe es que hay más "personajes" en Ratatouille o en Los Increíbles que en cualquier película media de los últimos tiempos.

Pero ser director de animación tiene sus ventajas: Misión Imposible acusa a un estilismo y elegancia envidiable. Da la sensación de que hasta el último cuadro del decorado de un salón ha sido tocado por Bird. Cada plano, un diseño perfecto.

MI4 es una buena película porque se toma en serio así misma. Como dice Giacchino, "no es cínica". No es una parodia del cine de acción, es cine de acción en el que sus personajes creen en sus personajes. Y Tom Cruise, como siempre: tan cienciólogo en la vida real y tan magnífico en el celuloide.

¡Ah, no! No es celuloide. Es digital. Y la vi en el cine adecuado (ver películas digitales en cines inadecuados es una experiencia desastrosa). La imagen, virtualmente, me comía, me atrapaba completamente en una pantalla de proporciones épicas y la imagen era cristalina como un espejo. Creo que en la tormenta de arena se me metió un grano en el ojo. Eso es el camino que debía seguir el cine, la calidad de imagen, el IMAX, cualquier cosa menos las 3D.

No es la mejor película del año, ni una experiencia religiosa, pero salí con el estrés de haber estado en tensión, de haber sentido vértigo, de haber recorrido parte del mundo y con unas ganas inmensas de tomarme una Coca-Cola. Y no le pido mucho más a una película de cine. Simplemente con que me haga vivir la vida de otros y no me tome el pelo como espectador, me vale.

Misión Imposible, para muchos cinéfilos, es una media sonrisa y un producto menor, pero es una película para tomarse muy en serio. Y a Brad Bird, también. Tiempo al tiempo, Bird está destinado a grandes proyectos.

PD: Michael Giacchino, en un año difícilmente superable, con obras maestras como la música de Súper 8, magníficas como Monte Carlo, o efectivas como Cars 2, se supera con esta película. Piel de gallina. Y los créditos del principio es la mejor versión del tema de Misión Imposible que he oído jamás. Si oyes esto y no tienes ganas de ver la película, me lo haría mirar...

Atención como entran las cuerdas en el segundo 14...

El tributo a Bárbara Cook

2011-12-29T23:51:00.000Z

Los Kennedy Center Honor que se celebran cada año son espectaculares. Hacen un recorrido por las carreras de las personalidades que homenajean tan completo como ejemplar. Y este año, entre los homenajeados, estaba Bárbara Cook, que oficialmente va a cumplir 85 años.

Bárbara Cook es una de esas cantantes de musicales que tienen una carrera más interesante que cualquiera de los papeles que ha interpretado. Alcohólica y desaparecida durante años, a mediados de los 70 volvió a surgir como una gran estrella gracias al compositor y futura pareja de la cantante, Wally Harper. Conciertos, revivals y un buen número de grabaciones hicieron que la segunda parte de su carrera fuera, incluso, más exitosa que antes de su desaparición en los 70. En YouTube hay varios vídeos de ella, pero lo que me ha dejado la piel de gallina es el tremendo número musical con que la homenajean. Entre las cantantes: Patti Lupone, Glen Close y mi adoraba Audrey MacDonald.

Y ya que estamos, este es el póster que anuncia los Oscars de este año:

Sobre el 2011 y sobre DRIVE

2011-12-23T10:41:00.000Z

Tan acostumbrados estamos a decir que el cine de antes era mejor que cuando analizas un año como el 2011, uno se sorprende de las magníficas películas que ha visto. Porque hay que decirlo alto y claro: en series de televisión, en películas y en bandas sonoras ha sido un año exquisito.

Mi mala memoria y la poca identificación con las listas que se publican en Internet hace imposible un resumen exhaustivo, así que salto de tema en tema con el criterio que más me gusta (que es la poca seriedad y la ausencia total de lógica).

Ha sido el año del regreso de Spielberg por partida doble. Tintín es una maravilla y War Horse está por ver, aunque los críticos serios la han dejado muy, muy bien. Sin embargo, la auténtica felicidad reside en la vuelta de Polanski y Un Dios Salvaje. Un año en el que Woody Allen ha vuelto a ser un genio y no dudo en que Midnight in Paris es una de sus obras maestras. Y ya casi me olvido de las primeras películas de la temporada, encabezadas por la neurótica Cisne Negro. Por si fuera poco, todo el mundo se sorprende de la capacidad visual de El Artista, que si es muda y un Tour de force (aunque Mel Brooks hiciera La última locura sin diálogos hace 30 años). Para mi, El Artista es una película endiabladamente buena, hablen o no hablen, pero lo que sí tiene es una de las bandas sonoras del año.

En música de cine, la vuelta de Spielberg marca la vuelta de Williams, que sigue siendo el número uno. Las dos películas que estrena son dos clásicos instantáneos de la banda sonora (para el mundo, War Horse es impecable. Para mi, Tintín es impecable). En el 2011 me ha llamado la atención Iris, que es la banda sonora del nuevo espectáculo del Circo del Sol dedicado al mundo del cine y que firma el genuino Danny Elfman. Ha sido el año de McKenzie con The Greatest Miracle, de Tangled, de The tree of life (y en general, todo lo que ha tocado Desplat), de Súper 8 de Giacchino, de la mejor película de X-Men con la música de Henry Jackman, del Hugo de Shore... en realidad, podría no parar, porque este año se han hecho unas bandas sonoras estupendas...

Y sin olvidarme de la edición en BluRay del 25 aniversario de El fantasma de la Ópera, no quiero terminar estos párrafos sin hablar de Cómo conocí a vuestra madre, que sigue siendo terriblemente divertida, de la pérdida de fuelle de The Office sin Steve Carell (aunque sigue teniendo gracia, ha perdido el gancho), de la que posiblemente sea la mejor temporada de Fringe, de Boardwalk Empire, de 30 Rock, Juego de Tronos y la segunda parte de The Walking Dead. Y el descubrimiento del año bajo el nombre de Misfits.

Y dejo lo mejor para el final: Drive, seguramente influenciado por ser la última película que he visto. Miento. Ayer vi Love Actually. Es Navidad, es obligada y se mantiene fantásticamente.

Pensaba verla en cuando la estrenaran en cine, pero Bandini dijo que era fantástica y yo la tenía en HD (una versión con demasiada calidad para esperar al cine. O estos se ponen las pilas con la política de estrenos o se quedan sin industria).

Y no iba desencaminado. Para mi, Drive es una de las películas del año. Grande. Espectacular en su guión, en su desarrollo, en su resolución. Y tiene una de las relaciones entre hombre y mujer más bonitas de los últimos años. Y en eso ayuda la grande, siempre grande (aunque menudita) Carey Mulligan, de la que soy un fiel admirador (y porque no me dejan ser su amante).

Tremendamente bien escrita, dirigida y protagonizada, Drive es una sorpresa brutal. Cine de altura con una mezcla digna a estudiar entre el cine de acción y el cine de miradas. Aguantar un plano, completamente incómodo, entre el protagonista y ella sin hablar, solo mirándose, y el espectador con la adrenalina a tope por su cruce de miradas es algo que el cine no nos enseñaba hace años. Por no hablar del ascensor...

Si por mi fuera, Drive sería la película del año. Lo sé, no es tan arriesgada como El artista o Cisne Negro. Pero si lo importante es el buen rato, la sensación de que lo que te cuentan no es una tomadura de pelo y la cantidad de veces que recuerdas la película después de su visionado (lo cual convierte la experiencia cinematográfica en algo único) no me lo pensaba dos veces: Drive es la película del año.

Conversación entre Pacino y Nolan

2011-12-21T11:34:00.000Z

Cada vez que veo Insomnio me gusta más. Es una película que gana con el tiempo, con cada visionado, con cada detalle. Y entre los extras de la película, no esperaba encontrarme con diecisiete minutos tan fantásticos bajo el título: Christopher Nolan entrevista a Al Pacino.

Porque lo que parece un joven director entrevistando a una estrella se convierte, rapidamente, en una conversación entre amigos (que ellos datan seis meses después de haber finalizado el rodaje de Insomnio). Lo curioso es que Nolan pasa de preguntar a ser preguntado. Al Pacino coge la entrevista por los cuernos y empieza a hacer cuestiones realmente interesantes sobre lenguaje cinematográfico y mostrar mucho interés por Nolan y Memento.

Y Nolan, que es un tipo con las cosas muy claras, responde abiertamente, sin filosofía, a detalles concretos como la diferencia entre poner la cámara cerca del actor o alejada pero con un objetivo a primer plano. Y Al Pacino está realmente feliz de tener un buen conversador... y pasan del cine al teatro, de Insomnio a El padrino, a Lumet... diecisiete minutos antológicos.

Y entre otras cosas interesantes, Al Pacino cuenta como Coppola, al dirigir El Padrino, se quedó sin tiempo para rodar un plano en el cementerio y los productores no sólo pararon el rodaje sino que además, no le iban a permitir volver al emplazamiento para rodar ese plano. Mientras el equipo recogía, el actor se encontró al director sentado sobre una lápida real, llorando (pero "llorando de verdad, nada de estar triste, literalmente: llorando"). Le preguntó que qué es lo que le pasaba y Francis contestó: "Es que ese era el plano importante, el plano que marca la diferencia".

Nolan, que es muy específico con lo que quiere, asiente y comprende perfectamente esta anécdota. Y la conversación sigue fluyendo. En Youtube se puede encontrar esta entrevista aunque viene como extra en la edición a la venta y a muy, muy bajo precio.

PD: Por cierto, Insomnia es un remake de una película noruega del año 1997, que es bastante peor en su desarrollo pero que tiene detalles mucho, mucho más negros... La versión antigua era así:

Espectacular anuncio

2011-12-21T01:24:00.000Z

Si lees estas líneas desde otro lugar que no sea España y no has vivido por estos lares, es probable que no comprendas la cantidad de matices que tiene este anuncio, de abrazos esperados y de giros memorables. Piel de gallina y nostalgia a partes iguales:

Hollywoodland 2: Carole Landis

2011-12-19T11:15:00.001Z

Carole Landis

No busques el Hollywoodland primera parte porque lo escribí en mayo del 2007. Darle una segunda parte a ese post tiene su sentido.

Ayer volví a ver Hollywoodland (la oscura historia del suicidio del actor George Reeves) que por alguna extraña virtud de la película, me apasiona. Sí, reconozco que no es una obra magna, pero creo que refleja Los Ángeles a finales de lo 50 como ninguna otra. Por lo menos, se asemeja a la ciudad que tengo en mente (porque desafortunadamente, nunca viví en Los Ángeles por aquellos años).

Las películas que hablan de Hollywood siempre me han gustado, sea en su vertiente más gótica, como Sunset Boulevard, en su vertiente más negra, como L.A. Confidential, o incluso en su versión más "Hollywood Babilonia", como La Dalia Negra y Hollywoodland.

En su momento ya hice un análisis de la película (que por supuesto, ahora cambiaría radicalmente. Así de firmes son mis ideas). Lo que pasa es que ayer descubrí algo nuevo. El detective, con la cara de Adrien Brody (Manolete), está investigando a Mannix y en los trozos de los periódicos que tiene sobre la mesa, la cámara pone especial hincapié en una de las fotos que, sin duda alguna, me suena.

Tengo una curiosidad enfermiza por la crónica negra de Hollywood. Curiosidad compartida por vosotros, ya que según el Analytics, uno de los post más populares es el de la muerte de Dominique Dunne (la hermana mayor de Poltergeist). Me enrollo.

Con dos clicks me entero de que la foto que sale en Hollywoodland es real: se trata del cadáver de la actriz Carole Landis. Y así me he visto metido de lleno en una historia absolutamente terrible que desconocía.

En su época, se decía que esta actriz, con buenas dotes para el baile y extraordinarias dotes para el canto, tenía mala suerte con sus papeles. Actuaba en películas de segunda. Y aún así, su cara nos suena de pelis como Ha nacido una estrella o Un día en las carreras (pero esto último lo he leído porque, aunque me suena la cara, no logro identificarla en ninguna de las dos películas).

Carole Landis era muy depresiva y además, destacaba por haber cogido todas las enfermedades tropicales que se te ocurran (haciendo su labor como estrella de cine en los campamentos de soldados durante la guerra). Y con sólo 29 años, contaba con tres fracasos matrimoniales.

Su cuarta pareja era Rex Harrison, que igual habla con un caballo que con un loro. El caso es que el actor decidió dejar esta relación con Carole a favor de continuar con su esposa. Eso sí, se lo dijo mientras pasaba la noche con ella por lo que cuando el bueno de Rex se despertó, encontró el cuerpo de la Landis y un bote vacío de esos barbitúricos que deben ser fáciles de conseguir en la ciudad de los sueños. Y fue el bueno de Harrison el que llamó a la policía con su perfecta dicción.

Cuando se habla de fotos de cadáveres de estrellas de cine siempre sale a relucir Carole Landis. No digo que sea una foto elegante, pero es curioso como una foto puede contar tantas cosas y ofrece destellos de los últimos minutos de vida de alguien.

PD: Hay varias páginas en Internet (una de ellas escrita por la sobrina de la actriz) que niegan el suicidio de Carole. Dicen que fue Rex Harrison el que la mató para evitar problemas con su esposa. Aventurar alguna idea sin tener todos los datos es temerario, pero cuando Harrison murió se dejó caer su turbio pasado y las sospechas con las que tuvo que vivir el resto de su vida. De todas maneras, si tuviéramos que decir algo malo de Rex Harrison, todas mis palabras recaerían en la película del Dr. Dolittle en la que hablaba con animales (o en su defecto, la foto con calzoncillos rosas que tiene como cabecera en IMDB).

El mejor Fantasma de la Ópera en 25 años

2011-12-14T11:22:00.002Z

Ramin le muestra su respeto a Michael y de paso, le mira sus zapatos.

La salida al mercado del DVD y BLuRay (e incluso por descarga directa si estás ansioso) de El fantasma de la ópera ha sido, por lo menos para mi, el acontecimiento musical más importante del año. Para los menos informados, el musical ha celebrado sus 25 años de historia con tres representaciones en el Royal Albert Hall que se han editado en diversos formatos para gloria de sus seguidores.

Pero no se han puesto simplemente a cantar sino que han representado la obra como tal, con su lámpara, con los bajos del teatro... ahora entramos en eso, pero lo más importante es que es un fiel reflejo del musical que ahora podemos tener en casa en calidad mayúscula. Altamente recomendado.

Ya conocen mi enamoramiento más absoluto por la obra. En realidad, me gustan los musicales gracias a Lloyd Webber y cuando se estrenó este musical, yo formaba parte de un grupo de teatro que representaba por los pueblos de Gran Canaria la magna Jesucristo SuperStar, haciendo el agradecido papel de Herodes (con el que un día cogí la cabeza del actor que hacía de Jesús y en un arrebato, le di un cabezazo contra el suelo que todavía resuena en mi mente. El actor que hacía de Jesús, al que a veces me encuentro por la calle, también lo recuerda, pero le hace menos gracia que a mi).

Este fantasma es curioso. Es un versión reducida del musical, quitan elementos que en realidad, alargan la obra de forma innecesaria, como la función antes del Think of me y pequeños fragmentos como la aparición del autómata (que nunca me ha gustado) de Christine en el espejo. Sin embargo, es mas larga que la versión de Las Vegas, que sólo duraba 90 minutos.

Lo más importante (y en eso, Julio Rodríguez, espléndido fotógrafo y mejor amigo, hemos disertado largo y tendido) es el lavado de cara del musical. Porque el Fantasma, con todo lo que es, necesitaba un lavado de cara de forma imperiosa: cambiar decorados, actualizar vestuario e incluso, si me apuran, cambiar orquestaciones... Tiene 25 años y eso se nota.

En esta función, por ser un acontecimiento especial, se ha subsanado con creces el paso del tiempo: orquestaciones nuevas, vestuario magnífico y puesta al día del decorado. Es el mejor fantasma de la ópera imaginable. Por si fuera poco y con profundo respeto a los actores originales (los espléndidos Michael Crawford y Sarah Brightman), los que representan esta función son los cantantes de Love Never Dies: Ramin Karimloo y Sierra Boggess, que son la encarnación perfecta de ambos papeles protagonistas.

La voz de Karimloo es mucho más calida que la de Crawford, más formada, más seria. Crawford tiene un poder especial en las notas altas y largas, pero las melodías y los altibajos de la partitura de Webber (en realidad, de todas las partituras de Webber, ya lo dice la Streisand en la carátula de uno de sus discos: las melodías del compositor son fuertes, exageradas...) eran la gran deficiencia del Fantasma, haciendo entre otras cosas que la auténtica protagonista de la obra fuera la Brightman. El fantasma sale poco a escena, pero sus apariciones deben comerse, literalmente, a todo el mundo.

Karimloo llena la escena. Su poderío vocal parece infinito, su actuación es mesurada (cuantos fantasmas exagerados y exaltados he visto...) y da miedo cuando tiene que darlo.

Más complicado es hablar de la Brightman, que nunca ha sido una cantante de mi devoción aunque el papel estaba claramente diseñado para ella. Dicho de otro modo, en El fantasma de la ópera es el único sitio en el que tolero a la cantante. Dicho esto, no he visto jamás una Christine como la de Sierra Boggess. Es dulce cuando baila, extraordinaria cuando canta y sobre todo, mira al papel de frente, no vacila con las notas que parecen salir sin esfuerzo de su boca. Gana por enteros en pequeños detalles, pero uno fundamental para mi (que es por lo que odio a los cantantes de ópera cantar musicales. No hay disco peor que el de José Carreras cantando a Webber): el difícil paso entre la voz operística y la voz ligera. Sierra Boggess pasa de la Christine cantante de ópera a cantar dulcemente al oído de Raoul con una facilidad pasmosa. De forma armoniosa. Agradable. Perfecta.

La Brightman, incluso en frases ligeras, se le escapaba ese agudo operístico, con vibratto, que parecían formar parte del papel de forma inexorable. De hecho, todas las Christine que he visto y oído después imitaban a la Brightman. Pero la Boggess ha cogido el papel y lo ha remoldeado de forma mucho más profesional y más preparada que la exmujer de Webber (y que conste que la Boggess no me acababa de gustar en los clips de audio y vídeo que la hicieron muy popular en The Little Mermaid).

Son tantas las representaciones que se han hecho de este musical que la letra ha ido cambiando a lo largo de los años (curiosamente, cuando se hizo la traducción al español, se hizo de la fuente original, de la primera versión). Sin embargo, los cambios paulatinos han hecho que las canciones tengan giros nuevos, nuevos diálogos, nuevas morcillas que te enganchan. El musical tiene su propia vida, su autonomía y ha ido quedándose con lo mejor de cada personaje haciendo que los diálogos fluyan como nunca.

En otro orden de cosas, la partitura sigue vigente como el primer día (ese Prima Donna insuperable), con especial hincapié en el que creo que es el mejor número musical, ese que desata el final de la obra: Past the point of no return. Y la aparición de percusión en algunos momentos y pequeños detalles musicales delatan la puesta a punto de la orquestación.

La pregunta es: ¿pasará todo esto al teatro o se quedará, como cuando se hizo la película de cine (con un cambio en la obertura que era magnífico) como un evento especial?

Tiempo al tiempo.

El póster de cine por excelencia

2011-12-04T22:03:00.001Z

El otro día leí una magnífica entrevista a John Landis en la que repasaba su carrera (y de paso, promocionaba a su hijo Max). Cuando hablaron sobre Un hombre-lobo americano en Londres, el periodista afirmó que acababa de verla en nosequé festival. Y Landis, emocionado, comentó: "¡Oh, la viste allí! ¡El cartel de la película que hicieron para ese pase es el mejor que he visto nunca! ¡Lo adoro!"

Mi curiosidad me puede y sobran las palabras: un cartel que es una obra maestra.

PD: Por cierto, ¿se acuerdan de la magia de los póster de cine, los affiches y los trailers antes de la llegada de Internet? Cuando entrar en un cine era mágico...

Jerry Goldsmith y el Juez Dredd

2011-11-23T14:18:00.000Z

Mi pasión por Jerry Goldsmith empezó hace más de 25 años. Junto a Williams, Herrmann y Elmer Bernstein, ha sido uno de mis músicos de cabecera. Uno de esos que, con quince años, no paras de escuchar hora tras hora, repitiendo el corte de los Main Titles y, literalmente, desgastando el Vinilo.

Y estos días ha vuelto a ser noticia porque un sello discográfico, por fin, edita Gremlins, una de las bandas sonoras más buscadas por el aficionado durante años y que parecía que no iba a editarse nunca. Y ya se sabe, ya que la compras por Internet y debes pagar mensajería... que en vez de uno me traigan tres discos.

Pero los que no estáis muy metidos en el mundo de la música de cine no sabéis dos cosas importantes sobre Goldsmith:

1.- Os conocéis al dedillo una pieza compuesta por Goldsmith. No me refiero al principio de Desafío Total con que Canal+ ha deleitado a los amantes del fútbol durante años, sino al famoso logo de la Universal. En mi casa, hasta mis hijos hacen el “chan-chan” donde corresponde.

2.- Más curiosa es la historia de la película de Juez Dredd (por cierto, el grado de virtuosismo de Goldsmith va emparejado a la mala calidad de las películas a la que estuvo ligado. No sé si está relacionado con su agente o simplemente le apetecía poner la música a películas como Rambo, que por cierto, tiene una banda sonora estupenda).

Juez Dredd, desde el principio, tuvo muchos problemas de post-producción y se alargó en el tiempo mucho más de lo previsto. En ese recorrido, el compositor asignado el proyecto, el joven David Arnold, fue retirado por motivos de producción (dicho de otra forma: el director quería contar con él pero el productor, no). Y su puesto lo ocupó Goldsmith, que a finales de lo 80 y principios de los 90 era uno de los compositores con la agenda más estresante.

Y Goldsmith jugueteó con la banda sonora pero no llegó a grabar nada para la película. Los retrasos eran tan brutales que, finalmente, tuvo que retirarse a componer Congo (con sus monitos) y Primer Caballero (aquella cosa de Richard Gere, vestidos con trajes bonitos y melenas al viento). Su puesto en Juez Dredd lo cogió Alan Silvestri.

¿Qué queda de todo aquella etapa Goldsmith en la película? Pues queda una pieza de un minuto que es una obra maestra. Una de esas que la oyes sólo una vez y se queda de por vida en la cabeza: la música del trailer de Juez Dredd. No sólo es una pieza codiciada por cualquier coleccionista de cine sino que es uno de los temas de conversación recurrentes cuando a uno le pica el gusanillo del amor por la banda sonora.

Con la aparición de Internet, este minuto de gloria se puede conseguir en cualquier sitio… pero cuando yo estudiaba en la Facultad, este tema era casi una leyenda urbana. Y por supuesto, la conversación sobre la música del trailer de Juez Dredd siempre termina de la misma manera: ¿te imaginas que Goldsmith hubiera seguido desarrollando este tema en toda la banda sonora?

EL MINUTO DE GLORIA:

El Tintín de Spielberg

2011-11-21T11:42:00.000Z

Brevemente.

La película de Tintín es grande. No por su animación (definitivamente, no por su animación), ni por los actores, ni por Spielberg (que como siempre, está grandioso), ni por la magnífica banda sonora de John Williams, ni siquiera por Hergé. Tintín es grande porque su guión es una genialidad y porque tiene un diseño de producción de quitar el hipo.

En estos días se ha comparado a Tintín con Indiana hasta la saciedad, y es cierto que la planificación, los decorados, las persecuciones… todo tiene un halo a la gran aventura que teníamos olvidada. Una proyección de Tintín en sala grande nos lleva al cine de hace 20 años (por no remontarnos a Douglas Fairbanks).

En realidad, poner en marcha una película tan compleja como esta sólo se puede hacer cuando la estructura del guión es férrea. La diferencia entre Disney y Pixar con el resto de las compañías de animación se basa, casi exclusivamente, en los guiones perfectamente trabajados y acabados (y eso que Disney acusa desde hace años la falta de una cabeza visible tipo Howard Ashman, al que la historia todavía no le ha hecho justicia. Es difícil que sin un tipo como Ashman volvamos a ver algo del nivel de La Sirenita, La Bella y la Bestia o El Jorobado de Notre Dame, que dejó medio escrita aunque la producción empezó con Ashman ya fallecido).

Además del guión, la gran ventaja del Motion Capture es la auténtica libertad que tiene Spielberg para narrar. En otros directores ni nos daríamos cuenta, pero con él, sí. Y una buena narración de Spielberg es similar al uso de las palabras en un escritor. Las cosas se pueden decir de mil maneras, pero invariablemente, hay una que te deja noqueado en la butaca: por la precisión, por la selección espacio-temporal, por la imaginación, por los detalles… Y Spielberg, independientemente del planazo de tropecientos minutos - toda una persecución infinita sin cortes- tiene sus momentos en los pequeños detalles como las panorámicas sobre las maquetas, la batalla naval – que es una de las más bestiales jamás presenciadas en una pantalla de cine- o en el movimiento de personajes dentro del mismo plano.

Además, Spielberg no se deja amedrentar por la nueva técnica. Es una película de primeros planos, de miradas… utiliza su técnica con la misma precisión que el carterista que roba las carteras. Tintín, independientemente de su carrera comercial, se merece unas cuantas películas más -y además, en este sentido, salen ganando: da igual que los actores envejezcan.

Y nuestro querido Williams, que el año que viene cumple 80 años, es como un niño con batuta nueva. Siempre joven. Siempre genial.

PRIMEVAL

2011-11-11T13:36:00.000Z

No saben lo que me gustaría hablar de Hitchcock o de Cukor en este blog, pero en los últimos tiempos me he enganchado a una serie de películas y series malísimas. No es que sea un sufridor, es que aunque objetivamente son malas, yo paso un rato entretenidísimo viendo como la gente salta y hace cosas raras. Y aunque he intentado valorar esta disposición mía a ver, de repente, películas de Jet Li o series como Primeval, no le encuentro una explicación razonable más allá de la evasión pura y dura.

Primeval es, se supone, una serie juvenil. Una de esas de sábado por la mañana para espectadores de 14 años. Y asumiendo que ese público a esa hora tiene resaca, decidí darle una oportunidad en cuanto leí la sinopsis.

En realidad, leí cuatro cosas que me llamaron la atención:

1.- Los protagonistas pelean con dinosaurios.

2.- Se abren brechas temporales. Ya lo saben, si se habla del tiempo y se crean realidades paralelas y paradojas temporales, es una serie para mi. Es un tema que me apasiona.

3.- Cuando viajan al pasado, el rodaje se ha hecho en Gran Canaria, por lo que entre dinosaurios, se distingue el Roque Nublo.

4.- El título de la serie. Podemos llamarla Primeval, pero en España se le conoce como Mundo Primitivo. No contentos con este título, también se le conoce como Invasión Jurásica. ¿No es apasionante tanto título para una serie tan pequeñita?

Tres veces he estado a punto de dejarla, pero cuando tomo la decisión, la serie hace un giro dramático espectacular (como sólo los ingleses saben hacer). Y así estoy, en la cuarta temporada en apenas diez días (cada temporada son sólo seis o siete episodios).

¿Por qué me gusta? Para empezar porque las tres primeras temporadas se han realizado en Londres y sale la ciudad preciosa. La cuarta (que tuvieron muchos problemas para financiar y salió casi de casualidad tras un serio movimiento internauta pidiendo más capítulos) se rodó en Irlanda y la quinta temporada, todavía no lo sé, aunque intuyo que Andorra o un sitio baratito.

La historia se centra en algo llamado "Anomalías". De vez en cuando surge una especie de agujero espectral que comunica nuestra época con diversos períodos del planeta y por allí, se cuelan bichos. La gracia está en que detrás de esta serie se encuentra el equipo inglés que hizo Caminando con Dinosaurios (supongo que para sacarle rendimiento a los efectos especiales) por lo que las bestias son reales (o por lo menos, como dice uno de los protagonistas "se supone que son así por los estudios hechos en un hueso que tiene millones de años").

Los personajes son muy buenos y en ellos se sostiene toda la estructura: una zoóloga especializada en reptiles, un profesor de Paleontología, un estudiante de dinosaurios y un militar. Pero estos cuatro van cambiando a lo largo de la serie.

Spoilers (aunque si ven los carteles de las diferentes temporadas queda todo muy clarito): cuando digo que van cambiando los personajes es porque no he visto jamás una serie en donde se cepillen a tanta gente. Quiero decir, como en Psicosis, en un episodio absurdo muere el protagonista, en otro se cepillan a uno de los jóvenes y así la serie va renovando caretos poco a poco. Pero no lo hacen en el último episodio de temporada, sino de sopetón...

¿Esto que provoca? Que pases auténtico terror cuando ataca un bicho, porque en este serie, los protagonistas SI mueren. Por si fuera poco, cuando pasa algo inesperado en el pasado, el presente cambia y los protagonistas de la serie tienen otro nombre y otro pasado. Este cambio sólo lo conoce la persona que ha hecho el viaje temporal y termina por ser desesperante.

Entre tanta sorpresa temática están los bichos: algunos parecen un dibujo animado, pero según van pasando los capítulos, empiezan a ser realistas y memorables. Y la estructura es tan simple, o sea, aparece un bicho y todos van a cazarlo, que los episodios son una especie de gran persecución durante cuarenta minutos.

Y con todas las carencias de la serie, que las tiene y gordas, estoy deseando llegar a casa para saber que pasa con la línea temporal, con el tipo que se ha quedado atrapado en el Cretácico y con que bicho aparecerá en el episodio de hoy.

Como un niño.

Por cierto, en el aspecto musical es, sencillamente, magnífica.

Hermanos de Sangre

2011-11-07T11:36:00.000Z

Es difícil hablar de esta serie, sobre todo, porque creo que soy el único ser viviente que no la había visto. Subsanado ese tema, estoy alucinado con Hermanos de Sangre.

Hasta hace pocos días, esas caras, las de la foto, no eran más un grupo de soldados y un buen logo para Band of Brothers, pero tras el visionado, podría contar las vivencias de cada uno de ellos. Y es complicado, porque son un montón de personajes. Te encariñas tanto de algunos de ellos que ver a las personas reales en las que se basa la historia recogiendo un EMMY a la mejor Miniserie de Televisión puede ser muy emocionante.

Pero quiero apuntar dos cosas que apuntan a la maestría del episodio 9, el llamado Why We Fight. En primer lugar, el descubrimiento de los campos de concentración. Estamos tan acostumbrados por el cine a ver la perspectiva de los judíos, como todo se va degradando hasta límites completamente infrahumanos, que verlo desde la perspectiva de los soldados ha sido toda una sorpresa.

Tras dos años luchando, ningún soldado de la Easy Company tiene ni idea de lo que es un campo de concentración. Están demasiado ocultos. Sólo cuando la guerra está llegando a su final, es factible encontrarse con ellos. Las caras de los soldados cuando entran por primera vez vale por la serie entera: sin diálogos, algunos apartando las miradas, otros tapándose la nariz, otros directamente en estado de shock. Tras toda la mierda que han vivido (y que nosotros hemos presenciado en primera fila) es difícil pensar que se van a sorprender por algo, pero esto supera todas las expectativas.

Por otra parte, en ese mismo episodio, se da uno de esos planos secuencia que me vuelven loco. Realmente bien enlazado por la figuración, es uno de esos comienzos que te dejan atado a la butaca: el final de la guerra está cerca y en los pueblos, los alemanes comienzan la limpieza bajo la atenta mirada de los soldados americanos. Empieza con un plano detalle de un violín y...

Hasta el minuto 2:10, después salta a otra escena...

¿Puede Andy Serkis ser nominado a los Oscars?

2011-11-04T10:15:00.001Z

Andy Serkis es el actor detrás del papel de Caesar en Rise of the planet of the Apes.

La pregunta del título no plantea el dilema al que se enfrentan los académicos a la hora de concretar un premio a una actuación realizada con Motion Capture, sino que la planteo más como un dilema moral. Me explico:

Todos sabemos que los Oscars son premios que Hollywood se concede a sí mismo (por mucho que de vez en cuando, un europeo gane un premio). Y cada pocos años, la cantidad de premios a entregar va creciendo o decreciendo, según la moda.

En el pasado, se han entregado premios por efectos especiales de maquillaje, por banda sonora de canciones, por bandas sonoras adaptadas... Y de hecho, en la actualidad sigue vigente el tema de la mejor película de animación porque un año coincidieron cuatro o cinco obras maestras del cine en formato animado. Y esto NO me molesta, pero me perturba cuando coinciden cinco películas que, claramente, no valen la pena.

Cuando se crea un premio nuevo, normalmente, es porque hay mar de fondo. Por ejemplo, cuando se separó el premio de la banda sonora por algo tan subjetivo como "Mejor banda sonora de comedia" y "Mejor banda sonora de drama", lo que se trató es de premiar a un compositor que no fuera Alan Menken, que tras Sirenitas, Bellas, Aladinos y Jorobados, se llevaba la estautilla todos los años.

Y este año se habla de nominar a Andy Serkis por su papel de Caesar en Rise of the planet of the Apes. Incluso yo, en un momento de debilidad, he defendido esa posibilidad... pero ahora no lo veo claro.

Ya sabemos que la frontera entre personaje y actuación no está bien definida. Que lo que muchas veces creemos que es un actor brillante, en realidad es un personaje brillante. No dudo que Tommy Lee Jones está fantástico como detective que busca a Harrison Ford en El Fugitivo, pero es que el personaje era fantástico. Y todos hacemos bromas con eso de las personajes con problemillas evidentes: los premios van a tartamudos, autistas, cojos, locos...

Pero la Academia de Hollywood ha sido, hasta ahora, bastante inteligente a este respecto: no nominaron a Robin Williams por su magnífica interpretación del genio de Aladino, ni a Tom Hanks por su encarnación de Woody en Toy Story. Y si me apuran, yo no puedo olvidar del magnífico Tom Hulce en El Jorobado de Notre Dame.

Al grano: nominar a actores por papeles realizados con Motion Capture, en estos momentos, no lo veo adecuado. Porque aunque Hollywood nos venda que la animación y el Motion Capture son diferentes conceptos por la esencia de las actuaciones, la auténtica verdad es que la carga de postproducción es vital para la creación del personaje y además, incontrolable.

Por ejemplo, sabemos que Spielberg, venda como se venda, es muy maniático. Estoy convencido (pero, por supuesto, son sólo conjeturas) que viendo el resultado de los planos de Tintín, habrá interferido en las actuaciones: "hummm.... esta expresión de Haddock la quiero en el otro plano..." "Humm... que este personaje no levante el brazo, que lo deje fijo en la cintura".

No hay que ser un experto de 3D Studio o de After Effects para darse cuenta de que una vez que se han capturado todos los movimientos en el ordenador, el equipo puede respetar la actuación o puede NO respetar la actuación (¿de verdad creen que el perro real que hace de Milú ha hecho todo eso?).

En cualquier caso, demasiadas personas trabajan sobre una actuación en concreto y no me parece procedente nominarlo. Pero es evidente que Cesar, el personaje, se merece un premio y propongo que la Academia haga eso que hace tantas veces: dar un premio especial. Lo hicieron con La Guerra de las Galaxias cuando no había premio a los mejores efectos visuales.

La Academia no puede ir por delante de la industria: no debe premiar Motion Capture cuando apenas hay dos o tres películas con este sistema. Los presupongo con más experiencia que en España, donde premiamos labores invisibles para el espectador, como el Director de Producción (para que me entiendan, la persona que mejor ha dirigido un rodaje).

Si en momento dado, Hollywood le dio un Oscar de pocos centímetros a la pequeña Shirley Temple, ¿por qué no hacer uno peludito para Serkis?

PD: ¿Volverá la doble nominación para John Williams? La banda sonora de Tintín es apoteósica, compleja pero apoteósica. Y los cortes que he escuchado de War Horse prometen un clásico de Williams. Con 80 años, sigue siendo el rey.

Woody Allen - Medianoche en París

2011-10-30T18:46:00.001Z

Yo creo que Woody Allen tiene tres grandes etapas en su carrera: las comedias del principio (algunas muy buenas, otras bastante malas. Yo me quedo con La última noche de Boris Grushenko); la etapa de finales de los 70, los 80 y principios de los 90, que comienza con Annie Hall y que destaca por unos guiones impecables -etapa plagada de obras maestras como Hannah y sus hermanas, Manhattan, La rosa púrpura del Cairo, Delitos y Faltas y su gran última gran obra, Maridos y Mujeres - una de las películas más violentas de la historia del cine. Y por último, sus películas turísticas, dicho sin ánimo despectivo. En Europa encuentra la solución a sus problemas personales, se siente más querido por el público y sobre todo, encuentra financiación para sus películas.

Esta última etapa es la más polémica porque las películas no alcanzan ni la popularidad ni las cotas de calidad de las películas situadas en Manhattan. Pero ninguna de sus películas es mala. La peor de sus películas suele ser mejor que gran parte de la producción cinematográfica con la que coincida en cartelera. Y para desgracia nuestra, y es un punto de vista puramente personal, su peor película es la situada en España: Vicky, Cristina, Barcelona (que además, es uno de los títulos más espantosos que se le puede poner a una película).

Dicho esto, parece que Woody Allen se ha sacado de la manga un guión de los 80, porque todo lo que he contado no sirve con la última película de Woody Allen. Para el que no quiera seguir leyendo y quiera las cosas claritas: Medianoche en París es una obra maestra que parece pertenecer a la época de La rosa Púrpura del Cairo.

Y además, junta todos los ingredientes del Allen que nos gusta: parejas al borde de la ruptura, ambientes culturetas y largos travellings con conversaciones de personajes paseando por la calle y, sobre todas las cosas, la aparición de la magia como elemento de ruptura con la realidad.

Woody Allen recupera el pulso de la escritura con una de sus mejores películas: una obra maestra en toda regla. Y Owen Wilson es el mejor sosias de Woody con diferencia. Hacía tiempo que no esperaba con ansia las obras de Allen, pero como Norma Desmond, ha hecho un comeback en toda regla.

Y todo esto, sin destripar de que va la película: no te la pierdas.

El triunfo de Julie Andrews

2011-10-18T15:37:00.000+01:00

Esta es una historia muy conocida, pero me gustaría rellenar algunas lagunas.

En el año 63 se pone en marcha la producción cinematográfica de My Fair Lady. Ahora es difícil comprender la envergadura del proyecto pero, en aquel momento, se hablaba de hacer un nuevo Lo que el viento se llevó, una película con lo mejor de cada casa en cada uno de los departamentos.

Muy al principio, se habló de llevar a la pantalla grande, en glorioso Cinemascope, a las estrellas que habían convertido el musical teatral en legendario: el gran Rex Harrison y Julie Andrews.

Pero eso fue muy al principio. Julie Andrews era una completa desconocida en Hollywood y hablando en plata, nadie daba un duro por ella (y mucho menos para un papel de estas características).

Si saltamos un poquito en el tiempo, el papel de Eliza Doolitle se lo ofrecieron a Audrey Hepburn. Y aquí es donde viene la principal confusión, bastante generalizada en esta historia: la Hepburn rechazó el papel, entre otras cosas, porque había visto a la Andrews sobre el escenario y pensaba que era ella, y no otra, la que tenía que hacer el papel en el cine.

Y así continuó la preproducción hasta que la Hepburn se dio cuenta del brutal error que había cometido. Los productores, ante el rechazo de Audrey, ni se les pasó por la cabeza contar con Julie Andrews para el papel sino que se lo ofrecieron a la joven y hermosa Elizabeth Taylor.

Ante esta tesitura, la Hepburn decidió involucrarse en la película.

Todo eso de "si canta o no canta" en My Fair Lady es algo más simple porque, por mucho misterio que le pongamos, la verdad es que la Hepburn, belleza entre bellezas, tenía un registro de voz muy limitado. En los mil documentales sobre la película que hay en el mercado se puede oír como cantaba las canciones y es un verdadero horror.

Lo más normal, y si yo fuera productor también lo haría, fue doblar a la actriz en las canciones. En realidad, si yo fuera productor de un musical, jamás contrataría a alguien que no puede cantar el papel, pero esa es otra historia.

La Hepburn estaba brillante cantando Moon River, pero esta canción estaba compuesta expresamente para su registro y, además, no deja de ser una vecinica cantando en una ventana con una guitarrita. Ahí reside su magia.

Y mientras Rex Harrison estaba ofendidísimo (puso a parir a la pequeña Audrey en unas declaraciones muy polémicas) por trabajar con otra persona que no fuera Julie Andrews, esta tuvo mejor suerte: Walt Disney en persona se la llevó a Los Ángeles para encarnar a su nueva protagonista: Mary Poppins.

Disney, además de dibujar ratones, tenía auténtica visión cinematográfica (y aún así, su empeño en trabajar con animatrónicos me pone de los nervios, como el pajarraco mecánico de la foto de este post).

Y las películas My Fair Lady y Mary Poppins se rodaron casi al mismo tiempo. Con los años, Rex Harrison se tragó sus palabras: se encariño con la Hepburn hasta el punto de declarar que fue la mejor compañera de trabajo que jamás tuvo (y supongo que Audrey le pondría al corriente de su defensa por Julie Andrews). Y la Hepburn, está de más decirlo, está brillante en su papel.

Y llegaron las nominaciones al Oscar: un cero para la Hepburn y una nominación (y posterior premio) para la novata Julie Andrews. Por muy buena persona que seas, supongo que el placer de ganar este premio en estas condiciones debe saber a gloria.

Y este es su momento:

El cambio de Pitufina y la Teoría de los Ewoks

2011-10-14T23:23:00.000+01:00

Con tanto niño por casa recordándome la existencia de Los Pitufos, no puedo parar de pensar en la Pitufina. Y de repente, me ha vuelto a la cabeza algo que siempre he pensado. Es una teoría mediocre, como todo lo que sale de mi cabeza, pero creo que tiene algo de cierto.

La Pitufina fue creada por Gargamel con fines comestibles. Se trataba de utilizar su creación para sembrar el caos y localizar la Aldea Pitufa. Como plan, la verdad, está bastante curradito. Pero como las dotes del moldeado de pitufos no se le daba demasiado bien al diabólico Gargamel, le salió la Pitufina de la izquierda, morenita, pelo corto y zapato plano.

Con ciertas dotes para preguntarse sobre su existencia, esta Pitufina entrañable estaba triste porque era fea. Su creador la había dotado de corazón, de rabito (el trasero) y de un traje sencillito. Si nos saltamos un poco la historia, todo termina con el Gran Pitufo (que siempre me recordó un poco a Chanquete pero sin acordeón) rediseñando a la Pitufina con los cánones de belleza pitufales.

No hay que ser el más listo del barrio para analizar estos cambios: en primer lugar, lo que más llama la atención es su poderosa melena rubia. Pero el Gran Pitufo, que es un auténtico crack, ha hecho otros cambios más sutiles. Ha dejado durante un rato sus experimentos científicos y se ha sentado delante de una máquina de coser y ha bordado el traje. Después le ha quitado un poco de almidón al sombrero para que sea ligeramente más flexible. Por último, mientras acortaba la nariz para dejársela un poquito más a lo Paloma San Basilio, se fue al campo y cortó dos trocitos de madera para dotar a la Pitufina de zapaticos de tacón.

Y esos son, solamente, los cambios a primera vista. No quiero ni pensar en su "mecánica interna".

Mi teoría es la siguiente: el Gran Pitufo, lo que ha hecho es cambiar una hermosa dama por un putón verbenero. Está claro que la Pitufina morena es infinitamente más guapa, más mona, más modosita. Ya se sabe, a los hombres nos gustan las mujeres sin maquillaje (siempre y cuando no tengan demasiados granos). La segunda es superficial, no se plantea su existencia, es feliz ligando y sabiéndose guapa. Y como en el dibujo, se toca su melena constantemente.

El Gran Pitufo, en su afán por crear una Pitufina guapa, además de tacones y larga melena rubia, le ha hecho a nuestra protagonista una evidente operación de reducción de cerebro.

Lo curioso es que, de pequeño, cuando leí esta obra maestra de la literatura, pensé que Gargamel era el malo, cuando cada vez se hace más evidente que los problemas los causa el Gran Pitufo, cambiando la sensibilidad por el narcisismo personificado.

No desarrollo más el tema porque, dada su importancia, prefiero que se queden pensando en las infinitas posibilidades de esta teoría que mezcla conspiración, intriga y celos en la Aldea Pitufa.

La segunda teoría, afortunadamente, no es mía. Es de Barney, el protagonista de Como conocí a vuestra madre, y la plantea en el episodio 5 de la Séptima Temporada.

Para Barney esta teoría es un instrumento básico para conocer la edad de una mujer, pero yo creo que es aplicable a otros campos. Se trata de la línea divisoria generacional que se establece entre las personas nacidas antes y después de mayo del 73.

Se trata de Ewoks. Si te gustaron los Ewoks y no hablas mal de ellos, significa que, cuando viste la película, todavía estabas en edad de adorarlos. Eras un niño al que le hacían gracia y posiblemente te recordaban al muñeco de peluche que estaba sobre tu cama mientras estabas en el cine. O sea, has nacido después de mayo del 73.

Los nacidos antes de esa fecha, educados con las dos primeras películas de la saga y algo más mayores, pensaron que los Ewoks eran cutres y sobraban en el universo galáctico.

Barney pregunta sobre los Ewoks a sus futuras conquistas y si ellas adoran a estos peluches repugnantes (yo soy de antes del 73), son claramente perfectas para él. Y por supuesto, si odian a los Ewoks, como mínimo tienen 37 años... demasiado mayores.

Esta teoría tiene sus lagunas, como las personas que no han visto Star Wars en cines... pero a Barney ni siquiera se le ocurre pensar que exista alguien en este planeta que tenga una edad políticamente correcta que no haya visto la saga en cines.

Tampoco 30 años (2º parte)

2011-10-12T14:34:00.000+01:00

Tenía prevista hablar de Hanna, que me ha gustado bastante, o de Desk Set, con Katherine Hepburn y el Sr. Tracy, de la que me gustaría contar algunas cosas, pero ha pasado esto:

Ya lo sé, además de criticar sus múltiples pases, la verdad es que a todos nos ha marcado la serie de marras. Verano Azul cumple tropecientos años con los protagonistas de la serie en Nerja.

No puedo aportar nada más de lo que todos sabemos. Bueno sí, sólo una cosa: me ha pasado con muchas películas y muchas series, que independientemente de cómo aguanten los años, lo que ha cambiado radicalmente es mi punto de vista como espectador.

En Verano Azul los padres siempre fueron los malos y los chicos se pasaban el día con una pintora con voz de cazalla y con un marinero gordo, soltero y con la camisa desabrochada. ¿Y saben qué? Que yo jamás dejaría que mis hijos subieran a ese barco. Cuando era pequeño, todo eso era divertido. Seguramente, para mis hijos también sería divertido, pero en este momento soy Manuel Tejada o Manuel Gallardo: ni marinero ni pintora ni cuevitas de los huevos. ¡Vete a la piscina y no salgas del complejo de apartamentos! ¡Y si tienes problemas conmigo, ni se te ocurra ir a contárselos a un marinero sin camisa que vive en un barco sobre una huerta!

Por lo demás, lo de siempre: Pancho sobre un caballo, la bofetada de Javi, Desi en moto, los bocadillos de Piraña, Bea ya es mujer... ¿guien-al se da-cuer-a de Que-Qui?

25 años de nada

2011-10-06T22:16:00.000+01:00

Acabo de ver los últimos 30 minutos del 25º Aniversario de El Fantasma de la Ópera, que no sólo son absolutamente fantásticos sino que muestran un espectáculo que, a día de hoy, sigue en plena forma. En cuanto lo vea entero, le dedico un post completo (el BluRay sale en un mes aunque seguramente lo veré antes por medios tecnológicos de dudosa procedencia).

Lo que me mosquea es que hayan pasado veinticinco años en una patada. Así, de repente. Recuerdo perfectamente el momento y el lugar en el que escuché por primera vez la canción principal del musical. Recuerdo cuando y cómo me compré el primer LP, de un sólo disco, de El Fantasma... y recuerdo como me tumbé sobre la cama a escucharlo con el libreto delante (que estaba sobre la funda de papel del disco).

Y debido al éxito de la foto de Luke Skywalker del anterior post, que habéis colgado en Facebook, copiado en vuestros blogs, subido a Menéame (con escaso interés, pero gracias al que lo hizo) y provocando que pasara de las doscientas visitas diarias a las 400 durante unos días... he decidido demostrar que 25 años es más tiempo del que parece. Y lo hago de forma canallesca, rozando el escarnio público y la actitud "telecinquera". Lo hago con dos fotos de dos grandes mitos, de mis actrices adoradas, de mis sueños pasionales juveniles: la gran Kathleen Turner y mi amada Geena Davis.

En mi cabeza, la Davis está tan guapa como en El Turista Accidental (¿se han olvidado de lo buena que era esta película?), y la Turner tan espectacular como en Tras el corazón verde.

No me río de ellas mostrando estas fotos. En cierto sentido, las sigo queriendo. El tiempo pasa, mi pelo se cae y el dentista ha decidido cambiar mis dientes... todos envejecemos. Pero ellas juegan con ventaja: algún día mi hijo verá Tras el corazón verde y una nueva generación caerá rendida a los pies de la Turner.

Igual que yo me enamoré de la Hepburn ( de las dos, da igual), de la Monroe, de la Bergman o de la Kelly... el tiempo real pasa, pero en el cine, se queda.

La gran Geena Davis, tan alta, tan guapa, tan natural. Te adoro, tipa.

Catalina Turner no está en su mejor momento, pero a los que la amamos, nos da igual

La saga galáctica con los ojitos de hoy

2011-09-27T14:53:00.003+01:00

"Me dejé la Fuerza en casa, pero puedo poner una pose chula para la foto. Molo, ¿no?"

Aprovechando su salida en BluRay, he visto las seis películas de la saga galáctica en el orden impuesto por Lucas, o sea, he empezado por el Episodio I (La Amenaza Fantasma) y he terminado con el Episodio VI (El Retorno del Jedi).

Y me he sorprendido gratamente. En primer lugar porque me lo he pasado como un enano viendo las seis películas. Para ser claros, ni las tres primeras son tan malas ni las tres últimas son tan buenas (aunque conservan la magia de antaño).

Los cambios realizados por Lucas son bastante llamativos, pero una vez metidos en la historia, que salga un muñeco más o menos de fondo, pues sinceramente, no me molesta. Los cambios brutales, ya que hacía años que no veía la película y se han acumulado dos o tres versiones que no había visto, están concentrados en El retorno del Jedi, que para mí, es la más flojita de las seis películas (o por decirlo de otra forma, con la que menos me divierto). Y son cambios muy, muy malos: desde el número musical en el palacio de Jabba, que ahora es horrendo, pasando por la celebración de la victoria final, que ahora es completamente diferente, o el famoso “Nooo” de Vader, que no sólo es innecesario sino que, su silencio en aquella secuencia, era magnífico.

Por punto, cosas que me han gustado y cosas que no me han gustado:

La imagen:

He leído por ahí que el BluRay de StarWars no era un prodigio en cuanto a imagen y sonido. Error. Es difícil encontrarse ese nivel de detalles, de contraste, de claridad. Otra cosa es que, con buen criterio, hayan dejado alguna deformación de la película original, sobre todo, en los tonos azulados del comienzo de El imperio Contraataca. Eran así en origen y son así ahora. Una restauración fílmica nunca, nunca, nunca se hace para mejorar una película; se hace para poder ver la película tal y como se vio el día de su estreno. Ni más, ni menos.

El Guión:

La historia es muy buena. Desde las maquinaciones (complejas, complejísimas de entender) de Palpatine hasta el desenlace final. Noto cierto cansancio en la historia del Episodio VI, cuando en realidad, se trata de hacer exactamente lo mismo que en el Episodio IV (o sea, destruir la Estrella de la Muerte) pero con más medios tecnológicos.

Pero que la historia sea buena no significa que los diálogos también lo sean. En este punto, sólo se salvan los dos últimos episodios (que son los firmados con Lawrence Kasdan y que tienen diálogos absolutamente memorables).

En las cuatro restantes, hay diálogos firmados por Lucas que dan vergüenza ajena. Desde Natalie Portman confirmando su embarazo con la frase: “Algo maravilloso ha ocurrido” hasta las frases de Anakin para mostrar que Obi Wan le frena en su ascenso, “Todo es culpa de Obi Wan”. Pero sin dudarlo, la frase y la situación más ridícula la encuentro en la película original, en La Guerra de las Galaxias. Les aseguro que fue tal mi ataque de risa al escucharla que tuve que ver la secuencia un par de veces.

La situación es la siguiente: el Imperio está buscando los dos androides en Tatooine (un gran planeta desértico) porque tienen los planos de la Estrella de la muerte. Y en un momento dado, en pleno desierto, un soldado imperial se agacha y recoge una arandela metálica y dice: “Los droides han pasado por aquí”. Hombre, no. No me creo que C3PO y R2D2 vayan perdiendo arandelas por el desierto y menos que las encuentren los soldados imperiales en mitad de una duna.

En definitiva

George Lucas es la mente detrás de esto. Da rabia que sea tan grande para crear este Universo del que todos bebemos, plasmado en la pantalla por lo mejor de Hollywood, y sin embargo, tan corto de miras para no rodearse de un guionista de altura.

Asimismo, da rabia ver lo lejos que podía haber llegado con el personaje de Liam Neesom, que es buenísimo y lo mata al final del Episodio I.

Y por último, el director de cine, que en otro tiempo tenía pulso con la cámara, ahora muestra las escenas en planos medios, sin atisbo de creatividad narrativa. Nada que ver con el tour de force de Irvin Kershner en El Imperio Contraataca (hoy por hoy, la mejor película de las seis).

Terrible Jar-Jar, pero eso lo sabemos todos.

Pero lo peor es que con tanto esfuerzo por unir las seis películas, cuando las ves seguidas, te das cuenta de las mil y una lagunas que han quedado en el mar de nadie. Por ejemplo, la presentación de Yoda en el Episodio V es cómica, dando golpes a R2D2 con su bastón y robando comida a Luke. Antes funcionaba, pero ahora que sabemos como es Yoda, con tanto poder y tan serio… pues la escena no funciona. Además, ese juego de intriga hasta que Luke descubre que es Yoda ya no tiene sentido.

Y por supuesto, la gran revelación de padre e hijo ya no es tal para el espectador, sólo para el personaje y, por tanto, la fuerza que tenía ese final ahora es inexistente.

Pero entre miles de pequeños errores (a los que Obi Wan argumentaría “desde cierto punto de vista”) hay uno que destaca sobre manera:

Luke y Leia se reúnen para hablar a solas. Y Luke, que ya sabe que ella es su hermana, le pregunta: “¿Te acuerdas de tu madre? ¿De tu madre biológica…?" Y Leia responde: “Sí, murió cuando yo era muy pequeña. Recuerdo que siempre estaba triste…"

La fuerza es intensa en Leia. Son muchos recuerdos sobre una madre que murió en el parto al dar a luz a los mellizos. Eso sí tiene mérito y no lanzar una manada de soldados por el aire con un movimiento de mano.

Independientemente de todo esto, ¿me lo he pasado bien viendo las películas? No. Bien no. Me lo he pasado en grande. Como un enano.

EMMY 2011

2011-09-20T11:32:00.000+01:00

Aquí os dejo una pequeña selección de la noche de los Emmy 2011, que se resume en tres buenos vídeos.

El primero es el número de apertura de Jane Lynch, que no es tan bueno como otros años pero tiene gracia. El segundo es la espectacular e hilarante aparición de Ricky Gervais en diferido (porque tras los Golden Globe no le dejan presentar en directo) y por último, un merecido homenaje a The Office, con la famosa oficina llenándose de personajes de otras series.

Spielberg y las malas influencias

2011-09-19T21:07:00.000+01:00

Spielberg ha tomado muy malas decisiones en los últimos años. Y es ahora, en el marco de la celebración de los 30 años de En busca del arca perdida, cuando se ha puesto a analizar sus últimos años de carrera junto a un gran número de espectadores -en una especia de Preguntas y Respuestas cada vez más habitual por aquellos lares.

Prácticamente todos los directores de cine jóvenes hablan de la increíble influencia de Spielberg en su obra. Sin embargo, Spielberg ha estado influenciado, dura e indignamente, por su eterno amigo George Lucas (que una vez más, es el malo de la película).

Por culpa de Lucas, el guión del último Indiana Jones es el más flojo. El que una vez fuera productor y gran creador de ideas dio luz verde a un guión completamente diferente del que quería el director y el actor Harrison Ford. Y por aceptar este guión impuesto por Lucas, Spielberg ha dado muestras de arrepentimiento. Cuando alguien del público le preguntó por una nueva película del arqueólogo, el director dijo: "Debes ser el único que le apetece una nueva aventura tras la película que hicimos". Por su parte, Harrison Ford comentó que aceptaría encantado "siempre y cuando, Indiana no termine en Marte"

Lo curioso de esta historia es que, según testimonio de Spielberg y Ford, existía un buen guión para el Dr. Jones escrito por Frank Darabont. De hecho, la pre-producción de la película se puso en marcha bajo los mandatos de este guión que, a los pocos meses, fue eliminado por Lucas, única persona a la que no le convencía nada lo escrito por Darabont.

Y es que la influencia de Lucas sobre Spielberg, en los últimos años, ha resultado nefasta. Spielberg reconoce que la peor idea que ha tenido fueron los cambios efectuados en E.T. "Fueron una completa equivocación. La gente recordaba otra película. Y cuando alguien me pregunta si debe ver la antigua o la moderna, siempre contesto que la antigua es la buena".

Para los más desmemoriados: en la versión moderna, la cara de E.T estaba generada por ordenador, se insertaban algunos planos de cuerpo completo (incluso al principio de la peli, cuando en teoría no se debía ver a E.T.) y se cambiaban las armas de los policías por walkie-talkies.

"Nunca más cambiaré algo de las películas que están terminadas" - confesó al celebrar los 30 años del Arca. "Cada plano, cada efecto, pertenece a unos años, a un momento concreto... y eso no se debe cambiar porque pertenece a la memoria del espectador".

Y entonces, una persona del público le dice a Spielberg: ¿Podrías hablar con Lucas sobre esto?

- ¡No! Con George no se puede hablar de estas cosas.

Parece que con los años, Spielberg recapacita. Confiesa que cuando salga el BluRay de E.T. lo hará en su versión antigua. Y va a intentar por todos los medios que el extraterrestre generado por ordenador caiga en el olvido. Y yo me alegro por ello.

Cheers es Chirs

2011-09-13T19:24:00.002+01:00

Soy doctor porque tengo gafas

Nunca comprendí que David Hasselhoff fuera un ídolo de quinceañeras. Su pelo era una especie de Skotch-Brite y sus tetas colgaban a la altura del ombligo, haciendo que sus corridas playeras (de correr, se entiende) fueran más ambiguas que las del futuro hombre, Pamela Anderson. Y sus mejores alter-ego en pantalla han sido, por este orden: un coche parlanchín, una especie de patinete rojo que flota en el agua y una hamburguesa.

El otro día leí que una de las actuaciones musicales más emotivas de la historia es la de David sobre una grúa (literalmente) el día que tiraron el muro de Berlín. Esto indica que la población alemana, además de vestir con chanclas y calcetines, tiene un serio problema con sus gustos estéticos.

No quiero tocar la fibra sensible de nadie, pero Vacaciones en el mar también era una suplicio. Sí, era una serie preciosa, con su barco y su tripulación en pantaloncito corto, haciendo grandes despedidas con confeti y serpentinas. Tenía un camarero negro, como mandaban los cánones, y un doctor con unas gafitas que denotaban inteligencia. Y aunque todos soñábamos con subir a ese barco, la serie destacaba por sus impresentables transparencias mal hechas. Porque en algún momento de todos los episodios, había una conversación nocturna en una barandilla con vistas al mar, siempre con la misma luna, preciosa, y los protagonistas con unos espectaculares vestidos de noche.

Lejos de chocar contra icebergs, tener problemas con el motor, ir con trajes desgastados por el trabajo o estudiarse las cartas marítimas, los verdaderos problemas de los trabajadores del barco se centraban en solucionar los avatares amorosos de los pasajeros. Era un poco como Jessica Fletcher, a la que nadie debería invitar a un evento: si tu matrimonio se rompe, sube al barco del amor que el doctor, el camarero y la sobrina del capitán tienen mucho que aportar a tu relación.

A lo que voy es que, por mucha nostalgia que tengamos, es difícil ver una serie de televisión de hace unos años. El producto era mucho más endeble que el cine (el cine de los 70, por ejemplo, hoy día se consume sin sufrir ningún tipo de vergüenza ajena). Pero volver a ver El gran héroe americano o Falcon Crest es toparse de frente con tu infancia… ¿y para qué vamos a hacerle eso al niño que llevamos dentro?

Esta semana se ha estrenado Cheers, el remake español. Yo, que siempre fui un fanático de Cheers hasta me compré la primera temporada en DVD… y mira, la serie está bien, pero cuando uno ya ha vivido el humor de Friends e incluso de Frasier, como que... lo de antes ha quedado un poquito anticuado, lentorro. Tiene sus momentos, pero desde luego, no es para hacer una de esas jornadas maratonianas nocturnas que hacemos los frikis con las series de televisión desde que Internet es Internet.

Y nosotros, los de sangre española, con bastante valor, hemos comprado 50 ó 60 guiones y los hemos adaptado. Hemos puesto nombres españoles, decimos tacos y, lo más importante, hemos roto el ritmo y el timing de los americanos. No digo yo que los guiones, por el año en que se hizo Cheers, sean el novamás del ritmo, pero lo que vi el otro día en televisión no tenía mucho sentido.

La televisión ha evolucionado de forma tan absolutamente feroz que comprar episodios de una serie de los 80 para rehacerla me parece una lamentable pérdida de tiempo. En España tenemos guionistas tremendos para hacer series de humor: hay episodios de Aquí no hay quien viva que parecen sacados de la pluma de Francisco Ibáñez (los reponen tanto a la hora de mi cena que, finalmente, me los sé de memoria), y supongo que tienen su público… pero lo de Chirs es incomprensible.

Claro. Es el primer episodio y los actores no han pillado el punto a sus personajes. Es normal que Resines haga del Sr. Serrano (mientras no aparezca su hijo cantando por ahí, todo va bien), que Pepón Nieto haga de policía buenazo y Alberto San Juan siga buscando el anillo de boda de su amigo Karra.

Con el tiempo, el Chirs español tendrá gracia. No lo dudo. Irán amoldando los guiones hasta conseguir que cada actor tenga clavado a su personaje. Se alejará de la serie original y nos olvidaremos de que se basa en un clásico ochentero. O sea, se convertirá en Los Serrano, pero sólo con el decorado del bareto. Eso sí, la canción es la misma y los americanos recibirán unos royalties.

Rehacemos Cheers, Las chicas de oro, Betty la fea… pero nadie tiene el coraje de rehacer Dr. Who o Expendiente X… ¿Y saben qué? Pienso que Se ha escrito un crimen sería un vehículo perfecto para Lola Herrera; El coche fantástico para Juan José Ballesta… ¿por qué no? Puestos a hacer el tonto, propongo el remake de Vacaciones en el mar… por ejemplo, El Barco del Prestigio… uy, un nombre perfecto para una serie española: Prestige Boat. Tan negro como Chirs.

Cliff Robertson

2011-09-12T02:09:00.001+01:00

Desde que escribo en este blog hace ya más de cinco años, siempre he intentado no convertir estos post en un obituario. En realidad, pocas veces he escrito sobre actores, directores o músicos que acaban de morir. Pero mucho me temo que Cliff Robertson no va a tener grandes titulares en los periódicos ni noticias televisivas. Y para muchos jóvenes, es simplemente el tipo que hizo de Tío Ben en Spiderman.

Pero Cliff Robertson era un actor de carácter. Un buen actor con una filmografía bastante mejorable. Ganó un Oscar por Charly, una película lamentable. Por ser benevolente. Pero era una de esas presencias, como la de Roddy McDowall, siempre agradables de ver y que daban personalidad a las películas.

Y en mi mundo particular, es el protagonista de esa obra maestra (según el día que la vea: a veces mejor, a veces peor) de Brian DePalma: Obsession.

Por último, Cliff es el vivo ejemplo de lo que puede pasar en Hollywood cuando denuncias a tu jefe. Concretamente, al de Columbia Pictures, por falsificar la firma del actor en un cheque. No sé que pasó en el juicio ni a donde fueron a parar esos miserables 10.000 dólares. Lo que si sé, es que Robertson estuvo vetado en Hollywood tropecientos años. Y así no hay forma de hacer carrera.

MISFITS

2011-09-09T17:33:00.000+01:00

Misfits es una buena serie. De la BBC, con pocos episodios en sus dos temporadas (seis y siete respectivamente) y realizada con cierto gusto y guiones muy cuidados. Y es para frikis de la ciencia-ficción.

Cinco jóvenes comienzan su primer día de labores sociales como castigo por un delito que han cometido. Una tormenta extraña les pilla de sorpresa y cada uno de ellos adquiere un poder. La gracia (pero la serie no es, ni mucho menos, de humor) está en que los chicos que adquieren los poderes son delincuentes juveniles y que esos poderes, como uno de ellos dice, "no son de Clase A, como volar y cosas así", sino más bien terribles -una de ellas puede "oír los pensamientos" lo que, básicamente, le destroza la vida.

La serie es muy curiosa por bastantes motivos (motivos que hacen imposible un remake americano). El primero es que los personajes son conflictivos de verdad, no como los personajes de las series americanas que "tienen giros con corazón", para que te encariñes.

No, aquí hablamos de un depravado, que no duda en meter mano a una mujer inconsciente por el alcohol... hablamos de un tipo que ni en las situaciones más serias puede dejar de decir chorradas que te enervan... y todo esto, con un lenguaje muy, muy coloquial y unos acentos británicos muy cerrados que delatan el estatus social de cada uno.

Los personajes no se convierten en superhéroes, ni ayudan al prójimo ni nada que se le parezca, sino que se meten en tantos problemas que utilizan sus poderes para salir de ellos. Además, ni sus soluciones son las mejores ni los utilizan en los mejores momentos.

Por esos pequeños detalles, la serie (que ni de lejos es una obra épica que debamos ver sí o sí) me tiene cautivado.

Cuando aceptas a los personajes tal y como son, la trama es insignificante. Son ellos los que te sorprenden con su forma de actuar, con su forma de hablar, de relacionarse, de empeorar las cosas cuando pueden mejorar. Como decía Hitchcock, el truco está en meter un acontecimiento extraordinario en el mundo normal que conocemos y que todos identificamos. Y aunque estos chicos tengan poderes con los que cualquier persona podría cambiar las cosas, para ellos es una carga muy difícil de llevar.

Obra maestra de la Streisand

2011-09-04T02:15:00.001+01:00

Acostumbrados como estamos a decir que cualquier cosa del pasado siempre es mejor, que aparezca en el mercado un disco como What Matters Most, dedicado por Barbra Streisand a sus letristas por excelencia, los grandes Marilyn y Alan Bergman, es un auténtico lavado de cara.

Que la Streisand tiene discos grandiosos lo sabemos todos, pero que últimamente está un poco vaga (hum... el amor) y sólo saca recopilaciones y recopilaciones, conciertos en donde siempre canta A new World y Somewhere... y que lo poco que ha hecho original no llega a la altura de su trabajo de hace un par de décadas... bueno, todo eso no hacía presagiar nada bueno y mucho menos, esperar con ansiedad sus nuevos trabajos.

Y ahí es donde me ha pillado por sorpresa, porque este disco es una obra maestra. Una maravilla. Un trabajo superior.

El disco se puede conseguir con las diez piezas grabadas para la ocasión o en una edición de lujo con otro disco más con algunas de las canciones de los Bergman que la Streisand ha cantado a lo largo de su vida. Como nos conocemos todos y aquí no compra un disco ni Dios, pues recomiendo descargarse el de lujo, aunque tarde unos segundos más en bajar.

De todas maneras, comprarlo es una buena idea. Primero, porque está magníficamente editado con un libreto de 24 paginitas muy curioso y, segundo, porque hay tan pocos discos realmente buenos que este, concretamente, merece la compra.

En los comentarios del anterior post, Anónimo Tranquilo ya comentaba The Windmills of your life (del gran Michel Legrand) en una versión de piel de gallina. Sin embargo, hay dos piezas de dos compositores que me llegan al corazón: The Same Hello, The Same Goodbye y Alone in the world.

Las dos canciones tienen una larga historia.

La primera de ellas es de John Williams cuando firmaba como Johnny Williams. La compuso expresamente para Frank Sinatra, pero Frank no creyó que era lo suficientemente buena para grabarla (hasta Williams tiene un pasado...)

Para los amantes de John Williams siempre ha sido un tema espinoso acceder a esta canción, hasta que hace pocos años la grabó Michael Feinstein en un álbum dedicado a Sinatra. Cosas que pasan. Ahora, la Streisand la convierte en clásico.

Alone in the world es del gran Jerry Goldsmith. Una canción con el tema principal de La Casa Rusia (y durante años, muchos hemos hablado de este tema como uno de las mejores canciones de la historia, tristemente olvidada por lo malita que era la película).

Esta banda sonora de Goldsmith es, en sí misma, una rareza, porque esta melodía iba a salir en otra película con anterioridad, Alien Nation, pero se hizo un cambio de compositor a última hora y Goldsmith se quedó tirado. Con el tiempo, decidió usarlo en La Casa Rusia.

Pues eso, mucho compositor de cine, mucha sorpresa y mucho talento en el último disco de la Streisand. No se tomen este post como una crítica positiva sino como un consejo de amigo. Este CD hay que tenerlo en casa. Y escucharlo con calma.

Alone in the world:

La depresión de Leia y el quejido de Vader

2011-09-02T10:27:00.001+01:00

Está Internet que trina con la edición en BluRay de la saga completa de La guerra de las galaxias porque Lucas ha vuelto a modificar algunos planos. Pero no se ha limitado a mejorar algunos efectos especiales sino, como en el caso del disparo de Greedo a Han Solo (en la versión original, Han Solo le mataba de un disparo a sangre fría y en los cambios, Greedo dispara primero, eliminando cualquier mancha de culpabilidad sobre Han), ha hecho algún cambio sustancial a la película.

Lo que parece que más ha molestado es el final de El Retorno del Jedi, en el momento que el Emperador está haciendo sus extrañas descargas sobre Luke y Vader mira impasible. Lucas, en un alarde de psicología, ha añadido un grito de “Nooooo” sobre la cara de Vader (cosa que es sencilla porque, básicamente, Vader no mueve la boca para hablar).

Y en Internet, directamente, ponen a Lucas a parir.

Mi visión, sobre todo esto de los cambios, es muy diferente a la que tenía hace unos años, en los que estaba enfadadísimo con tanto cambio (sobre todo, las partes que suprimen parte de la banda sonora de Williams) pero la realidad es que a principios de siglo, Lucas tuvo la decencia de editar las películas originales en DVD (sin ninguno de los cambios posteriores). Hecho esto, ahora me hace gracia ver las modificaciones que va realizando poco a poco.

Y los seguidores de Internet, para ser sinceros, son raros. Se vuelven locos si Lucas cambia algún plano y, al mismo tiempo, pagan dinerales por montajes alternativos que, en sus palabras, mejoran las películas. Pero no está de más recordar que George Lucas, en la difícil época en que se coloreaban las películas en blanco y negro, escribió un duro manifiesto completamente en contra de la alteración del celuloide. Creo que ahora utiliza esta carta como papel higiénico en la ILM.

Lo que de verdad me molesta es comprarme las películas en VHS, en DVD, en Pack, con extras mejores, con extras más largos y ahora, en BluRay con tropecientas mil horas de documentales. Me da la sensación de que Lucas y Lloyd Webber podrían vivir una vida decente con la inversión que realizo en ellos. Pero uno no es de piedra (bueno, soy bastante débil) y estoy deseando que pasen estos diez días para hacerme con mi pack completo de La Guerra de las galaxias.

En otro orden de cosas, si hay un documento cinéfilo por excelencia que todos deberían ver es La verdadera historia de la Princesa Leia. En él, en una especial One Woman Show, Carrie Fisher desgrana uno a uno todos sus problemas, desde ser hija de Debbie Fisher hasta casarse con Paul Simon, de qué se siente siendo la Princesa Leia y estar internada en un psiquiátrico. Todo realizado con un humor bastante macabro en el que no sabes si reír o llorar. Un ejercicio que debe ser bastante duro para la actriz y del que sale completamente victoriosa.

No está de mas recordar que Carrie Fisher no es no sólo la princesa Leia sino una doctora de guiones con mil trabajos sin acreditar. Esto es, cuando un guión tiene problemas en Hollywood y necesita unos retoques, una de las negras en la sombra es Carrie Fisher. Además, su libro (y posterior película) Postales desde el filo, narraba con soltura su complicada relación con su madre (que estaba tan dulce con su chubasquero amarillo en los créditos de Cantando bajo la lluvia).

No está editado en España y me temo que la única forma de verlo es mediante descarga. Pero es fácil de encontrar y con magníficos subtítulos en español.

PD: Recibo con júbilo la noticia de que la nueva obra de Polanski ha sido recibida con sonoros aplausos en el Festival de Venecia. Hoy por hoy, mi director de cine favorito sin ningún género de dudas.

El quejido de Vader:

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El origen del planeta de los simios

2011-08-13T00:09:00.001+01:00

Hacía tiempo que no salía tan contento de ver una película de ciencia-ficción. Y para que no tengáis que leer todo el texto, lo digo desde el principio: El origen del planeta de los simios es una película fantástica.

Sin decir nada, sin spoilers de ningún tipo, los puñeteros simios dejan de ser efectos especiales a los cinco segundos de metraje. Su comportamiento y sus miradas llevan la magia de efectos digitales allí donde nadie había llegado. Creo, incluso, que es de esas obras que marcará un antes y un después, y de esas que debería llevarse un premio especial de la Academia.

Pero no son sólo los efectos. Tanto el guión como la dirección son soberbias. Por no hablar de un renacido Patrick Doyle que, por fin, hace una obra de verdadera altura.

Mención especial al magnífico John Lithgow y la belleza extraordinaria de Freida Pinto. Pero el verdadero talento reside en ese guión espléndido (joer, por fin Hollywood invierte en un buen guión) que, como las grandes tramas clásicas, consigue que el espectador comprenda perfectamente ambos bandos y esté continuamente sufriendo por lo que pasa a los humanos y por lo que le pasa a los simios.

El origen del planeta de los simios es obligada en pantalla grande. No me seáis catetos y aprovechad el veranito para ir a verla. Sé que da un poco de pereza, pero vale la pena.

Dario Argento da las gracias...

2011-08-11T22:48:00.000+01:00

Tras esta pequeña pausa veraniega y pendiente de terminar con la crónica de Úbeda, debo decir dos cosas o tres cosas sobre la película que acabo de ver: Giallo, de Dario Argento.

Sé que algunos amigos me matarán por decir esto, pero a mi, Dario Argento me parece un mal director de cine que se ha hecho muy famoso con productos infumables, pretenciosos, cutres y mal realizados. Dicho esto, las películas son tan malas que tienen cierto encanto.

Un mundo en el que Dario Argento es el maestro del terror y nadie nombra a Terence Fisher es un mundo cutre. De cualquier manera, Giallo es horrorosa. Es tan mala que incluso una de sus protagonistas es Elsa Pataky. Y es tan mala que desde el principio sabes que el malo está protagonizado por Adrien Brody (pero no es un spoiler, Adrien Brody también hace el policía protagonista, pero son dos papeles que no tienen nada que ver: es un juego de esos que a los actores les mola tanto y que al espectador le deja continuamente pensando en "pero tío, ten un poco de orgullo").

Lo único bueno de la película es que el malo le corta un dedo a la Pataky y yo me descubrí riéndome a carcajada limpia. Claro que si en una película de suspense-terror-gore, en el momento que el malo quiere descuartizar a la protagonista, el espectador se ríe a carcajadas, es que algo no funciona.

Eso sí, el Brody y Emmanuelle Seigner, que no es tan guapa como antes pero es la mujer de Polanski (un respeto), están paseando por la calle y pasan por un cine con una enorme póster de la película Juno (que no está mal recordar que era buenísima). Y cuando los personajes pasan por delante y salen de plano, la cámara se queda estática delante del cartel.

Estas cosas me sorprenden porque datan con exactitud la trama de la película, pero en Giallo, el año en el que ocurre la desastrosa historia es totalmente intrascendente. Y mientras descuartizaban gente en pantalla se me iluminó la bombilla de las asociaciones. Recuerdo perfectamente cómo la prota de Juno discutía con su amigo sobre las bondades del cine de Argento. Porque a Juno, lo que más le gustaba en el mundo era una película de Dario Argento.

Y ahí está el agradecimiento de Argento: poner el cartel de Juno unos segundos en pantalla. Lástima que la película sea tan mala y Juno tan buena. Está descompensado, pero que quieren que les diga, es de bien nacidos ser agradecidos.

Yo podré vender a todo el que quiera oírme que Argento es el peor director de cine de terror de la historia, pero jamás se me ocurrirá decir que es desagradecido. Al rey lo que es del rey.

PD: Leo en IMDB que el malo de la película está protagonizado por Byron Deidra. Como se llamaba esto de cambiar las letras de orden para hacer otra palabra...

Música de Cine en Úbeda 2011 (2 de 3)

2011-07-29T12:04:00.001+01:00

Bruno Coulais hablando con Sarde en perfecto francés. Foto del blog de Julio Rodríguez

Según pasan los días, uno se va dando cuenta de que el tiempo que se pasa en Úbeda es, si cabe, más mágico. Todas esas caras conocidas, todos esos CDs en grandes cajas preparados para ser comprados, todas esas anécdotas de compositores y todo ese equipo desinteresado que pone en marcha el Festival, con la cara desencajada, corriendo de un lado a otro... imágenes que se repiten año tras año.

Tras este tierno comienzo, sigue la revisión friki del evento:

Philippe Sarde

Sarde es más joven de lo que aparenta. Su edad no casa con su presencia. No sé si ha tenido alguna enfermedad o es cierto lo que dicen de él, que nunca sale de su casa, que no se relaciona con nadie y que teníamos la tremenda suerte de poder verle. Pero el caso es que parece mucho mayor de lo que es. No sé como decirlo de manera fina, pero está bastante redondo y su caminar es lento. Su cara, posiblemente poco acostumbrada a estar rodeado de frikis ansiosos de charlar con él (entre los que, por supuesto, me incluyo) mostraba cierto asombro por lo que pasaba a su alrededor y sus ojos se ponían como botoncitos redondos.

Dicho esto, Sarde es un genio. Pero de verdad, con mayúsculas. Un compositor con más de 300 películas en su haber (¡y qué películas!). Y es uno de esos nombres de los que puedo decir que tengo vinilos (humm... que viejuno soy).

Para un tipo de mi edad, Sarde empezó a ser un nombre a tener en cuenta con las bandas sonoras de En busca del fuego y Piratas. Pero toda su carrera es antológica.

En su conferencia pasó una de esas cosas que me dan tanta rabia: Sarde puso escenas de películas absolutamente magníficas. Y yo, que aunque pasen los años, me quedo embelesado con una buena imagen cinematográfica, deseaba con todo mi corazón ver cada una de las películas allí mostradas.

Me pasó hace dos años con Rombi, que cuando pusieron algunas escenas de sus películas inmediatamente pensé: "debo ponerme al día con el cine francés, porque son unos auténticos fieras". Pues este año, más de lo mismo. Chicos, debemos ver más cine francés.

La conferencia de Sarde, independientemente de las películas seleccionadas, se me hizo eterna. En primer lugar, fue en francés y no tengo ni pajorera idea del idioma (ni siquiera puedo escribir croasan correctamente). Estoy acostumbrado a oír las conferencias dos veces: en inglés y la traducción... pero en francés, tenía que esperar durante largos minutos para saber de qué diantres hablaba y casi me quedo dormido.

Pero todos sacamos nuestras conclusiones de cada conferencia y la mía es claramente "ver más cine francés". Por otra parte, esta noche me enfrento, tras tropecientos años, a El quimérico inquilino. No sólo por Sarde, sino por Polanski. Siempre es buen momento ver un Polanski.

Blake Neely

La sorpresa vino de la mano de este tipo. Seguramente no saben quién es. Yo tampoco lo sabía hasta que vino a Úbeda. Es un famoso orquestador de Hollywood (incluso tuvo su parcela como orquestador de Michael Kamen) y ahora trabaja en la factoría de compositores de Zimmer. Y en honor a la verdad, se ha hecho muy popular por la banda sonora de la serie The Pacific y con algunas piezas de El Mentalista.

No tengo datos pero me dió la sensación de que está protegido por Tom Hanks, ya que casi todos los proyectos gordos de Neely parten de la productora de Hanks. E incluso, cuando puso alguna escena de una película reciente (de esas desconocidas por estos lares) resultó que el protagonista era el hijo del actor.

Pero son sólo sospechas.

No tenía demasiado interés por esta conferencia y sin embargo, me entusiasmó. Blake Neely demostró dos cosas: ser un conferenciante nato y un tipo con bastante gracia.

Uno de los grandes aciertos de Úbeda es poner un piano al lado del conferenciante, de forma que este, en muchos momentos, se levanta y toca una melodía para que sepamos de qué estamos hablando. Y Neely no paró de levantarse para deleite de todos. Y lo más importante: nos contó como funciona Remote Control por dentro.

Remote Control, para mi hermana y todos lo que no lo sepan, es una empresa del compositor Hans Zimmer. Algo así como una factoría de bandas sonoras. Cada músico tiene su pequeño estudio pero todos trabajan con todo. Por eso, una banda sonora firmada por Zimmer, en realidad, puede haber sido trabajada (aunque muchos de estos ya no están con él) por John Powell, el mismo Neely o mi adorado Klaus Badelt.

En algunos casos, hay más de diez compositores acreditados. De hecho, en la escena de The Pacific que nos puso Neely (que era un copión de trabajo), en el borde superior derecho ponía ZIMMER (son copias nominales: a efectos de piratería, si la escena aparece en Internet, la culpa es de Zimmer).

Neely contaba desesperado como en Youtube, en ese vídeo que nos mostró aparecían comentarios diciendo "lo maravillosa que era la música de Zimmer". Y él giraba los ojos, levantaba las manos y gritaba: "Pero esa música es mía".

Aún así, lejos de quejarse, hablaba de bastante buen rollo en Remote Control. Que todos trabajan como enanos y que Zimmer, lejos de ser un jefe comodón, es el primero en llegar y el último en irse.

Por último, Neely confesaba que muchos compositores tienen equipos infinitos de personal para trabajar. Lo único que ha hecho Zimmer es, simplemente, acreditarlos como tales.

Y aunque yo tengo muchos problemas con la música de Zimmer, reconozco que en los últimos años he oído cosas que me han dejado en completo estado de shock (algo que creo que no me va a pasar nunca con Horner).

Y como me he alargado demasiado, mañana sigo (o el lunes, que en fin de semana no mola nada sentarse en el ordenador a escribir).

El frikiperopoco de Pascal Gaigne

2011-07-28T11:31:00.000+01:00

Pues ya parece una tradición anual. En la esquina derecha superior del blog tengo los saludos de Patrick Doyle, Christopher Young y Michael Giacchino. Adoro a los tres compositores, pero si hay alguien que define lo que más escucho en casa, ese es Pascal Gaigne.

Su trabajo en Solisterre, AzulOscuroCasiNegro, El sol del membrillo o la obra maestra que es Le Cou de la Girafe (que es lo que suena detrás de su aparición en el vídeo y que Youtube ya me ha avisado que estoy infringiendo el copyright) es absolutamente desmesurado.

Estoy encantado con este vídeo. Gracias a Pascal por ser como es. Su humildad innata unida a su timidez hizo que decir estas palabras fuera un pequeño mal trago... pero yo soy bastante pesado. Desafortunadamente, su música no fue demasiado bien tratada en el concierto y da verdadera rabia: por él, que debió sufrir lo insufrible... y por los oyentes, que no pudieron darse cuenta de la talla del compositor que estaban escuchando.

Un saludo más, el más importante para mi, a la colección de frikiperopocos de compositores que valen su peso en oro.

PD: La última foto de Pascal Gaigne, la buena, es propiedad de Julio Rodriguez. Me la ha dejado para esta ocasión tan especial. Su blog de fotos es de visita obligada.

Música de Cine en Úbeda 2011 (1 de 3)

2011-07-27T12:26:00.003+01:00

Cuanto tiempo hace que no escribía.

No he estado muerto ni enfermo sino en Úbeda, en el VII Festival de Música de Cine. Durante dos o tres post voy a desgranar un poquito lo que ha pasado este año. Es evidente que si quieres leer un crónica más seria, hay mil páginas y blogueros que contarán con pelos y señales todo lo acontecido durante los cuatro días que ha durado. Si lo que buscas en una versión un poco más friki, has llegado al sitio correcto.

La premisa era “el año de los compositores europeos”. Algunos, como yo, lo hemos achacado a la crisis (tanto la global como la del Festival: muchos años haciendo un Festival pequeñito, a base de sangre, sudor y lágrimas, muchas lágrimas).

Sin embargo, los compositores que han venido han sido una representación perfecta de lo que se hace (y se ha hecho) en Europa. Desde el estrafalario Gabriel Yared pasando por Bruno Coulais, Carles Cases, Alberto Iglesias, el genio de Philippe Sarde y el gran Pascal Gaigne, entre otros.

Y por medio, sin ser europeos, han aparecido los compositores televisivos Blake Neely (The Pacific, The Mentalist) y Bear McCreary (Galáctica, Caprica, Human Target) y casi sin cuadrar con nada ni nadie, Mark Isham, un gran compositor clásico del cine americano actual, con obras como The Black Dalia, Leones por Corderos o El río de la vida. Un tipo con una carrera magnífica pero que, lo reconozco, no era santo de mi devoción. Ahora lo adoro.

Y esto es todo lo serio que vas a leer. Ahora, mi crónica por puntos completamente arbitrarios, distribuida a lo largo de los próximos tres días:

Gabriel Yared:

Yared y su pelo. Foto provisional hasta que Julio Rodríguez haga pública su obra

Compositor melódico (uno de los pocos actuales) y ganador del Oscar por El Paciente Inglés. Un tipo especial. El pelo lo tiene completamente revuelto, en una especie de tocado a lo Barton Fink. Parece malhumorado todo el día, pero la realidad es que le pedí una foto y accedió de buen grado a fotografiarse conmigo y en su charla, estuvo muy ameno y simpático.

En el lado más friki, en el coloquio posterior a la conferencia, alguien le preguntó por su banda sonora rechazada de El Turista. Una pregunta curiosa cuando hay decenas de películas con música de Yared. Preguntarle justo por una que se le ha rechazado puede parecer de mal gusto. Pero Yared, lejos de tomárselo mal, se río y gritó con ironía: “Sí. Y si quieres, también hablamos de Troya” (que es su otra banda sonora rechazada y amada por miles de fanáticos como yo, que se bajaron la música de su web antes de que Warner le amenazara con un pleito).

Por cierto, Yared está en la lista negra de Warner desde el 2003, desde que el compositor hizo público su malestar por esa corriente de Hollywood tan actual de cambiar la banda sonora en el último momento.

Las cosas son de la siguiente manera: cuando se hace un pase de prueba de una película para ver las reacciones del público, si no gusta, poco pueden hacer salvo remontar unas escenas. No pueden cambiar al director de lo ya rodado ni pueden cambiar a uno de los actores (que implicaría volver a rodar la película). La solución fácil es cambiar la música para darle otra dimensión a las imágenes.

Sin pelos en la lengua, criticó (para mi disfrute) al compositor que le sustituyó, James Horner, aludiendo a la utilización del mismo coro que él había utilizado y el uso de algunos instrumentos. O sea, le acusaba de haber utilizado su investigación previa del tipo de música. Por supuesto, Yared estaba dolido y sus conclusiones hay que cogerlas con pinzas, pero cualquier persona que se mete con Horner tiene mi simpatía.

En otro orden de cosas, Yared fuma sin parar. Enciende un cigarro con el final del anterior. Fuma en la charla. Fuma en el concierto. Fuma en la calle y fuma comiendo. Lo vimos en una terracita en amena charla con Alberto Iglesias (del que se declaró entusiasta seguidor) y sus respectivas mujeres. Y Alberto, que es todo delicadeza, estaba envuelto en una nube de humo.

Yo fumo bastante y me llamó la atención su forma desmesurada de fumar. Estoy convencido que los que odian el tabaco están tirándose de los pelos.

Los Conciertos

La magia de Úbeda está en su famoso espíritu. La realidad es que, los que vamos cada año, nos lo pasamos como enanos durante cuatro días. Nos encontramos a los compositores en todas partes, bebiendo cervezas, comiendo, con los heladitos... Cada año consigo la mejor foto en la heladería. De allí tengo la de Dave Grusin que guardo como oro en paño.

Las conferencias son mágicas y los eventos, divertidos. Pero también hay conciertos. Este año se han celebrado cada una de las cuatro noches y en alguna ocasión, dos conciertos seguidos. Y aunque el oído de los aficionados a la banda sonora parece no ser demasiado riguroso (no es habitual ver a un compositor tocando sus propias piezas y eso tiene su magia), la realidad es que es lo más flojito del Festival.

No voy a ser yo el que critique a la Orquesta de Málaga, que realmente ponen todo el empeño del mundo en que suene bien. Pero es una, sólo una orquesta. Quiero decir, preparar el programa del viernes, del sábado y algunas cositas del jueves es inviable. Las piezas no suenan como tienen que sonar y el espectador sufre con los violines y con los vientos. Y supongo que si yo sufro, el compositor de las piezas sufre más.

La música en directo tiene magia. De hecho, por la noche, Úbeda es mágica. Y oír una pieza de Coulais con Coulais al lado no tiene desperdicio. Supongo que si quieres escuchar la pieza perfecta, debes ir a un auditorio de verdad con una orquesta con los ensayos suficientes para un programa normal.

Pero no nos engañemos, yo aplaudí como el que más y grité mis bravos habituales. No tiene nada que ver con la ejecución de la música (en su más estricto sentido) sino con la magia del momento.

Carles Cases

En el recital del jueves, la orquesta se retiró y apareció en escena Carles Cases al piano con su pequeño grupo: un percusionista y una bajo. Y los tres hicieron el concierto del año. Una maravilla de principio a fin. Cases es un fuera de serie, grande entre los grandes, excéntrico, sobreactuado, descarado y excesivo.

Se comió al resto de compositores americanos y europeos, que estaban en primera fila preguntándose quién es ese tipo que hace esa música. Como decimos en Canarias: se los comió con papas. Este año, Cases no celebró conferencia pero fue el que más dijo. Comunicación pura y dura.

A nivel más personal, hasta el propio compositor reconoció que había sido una noche fantástica. Lo dijo de una forma un poco más coloquial pero no estoy por la labor de reproducir sus palabras, que fuera de contexto pueden perder su cachondeo...

Y mañana más.

Las historias de Mark Isham, Pascal Gaigne, Bear McCreary, Blake Neely y todo lo más friki que recuerde… Y por supuesto, en el momento que Julio Rodríguez, persona que con sus fotos ha sabido captar como nadie la experiencia de Úbeda, haga público su trabajo, quito las que he puesto y pongo las suyas...

¡Ah! Y sí tengo vídeo de compositor para frikiperopoco, de hecho, tengo dos y son muy, muy buenos... pero acabo de llegar y tengo que montarlos. Nos reiremos.

Confessions

2011-07-12T02:19:00.001+01:00

Confessions (2010)

El cine japonés no para de sorprenderme y eso es que no he tenido la oportunidad de disfrutarlo de lleno (aunque con las nuevas tecnologías no tengo excusa). Pero las sorpresas con el cine fantástico japonés de la última década, unido a mi curiosidad por el cine de Ozu o Kurosawa... son datos que hacen que realmente me plantee una inmersión total.

Pero algunas películas japonesas sueltas no me dan una visión global de un movimiento cinematográfico que debe ser absolutamente bestial y, por tanto, como suele ser habitual, hablo con más descaro que conocimiento.

Había oído hablar muy bien sobre Confessions (2010) que, desde ya, digo que es algo más que una buena película.

La trama es absolutamente deslumbrante. Un juego maquiavélico que, desde el primer minuto, te agarra para no soltarte. Las tres frases siguientes os van a cautivar de tal manera que os sentiréis obligados a ver Confessions: una profesora se despide de sus jóvenes alumnos ya que su vida se ha vuelto demasiado oscura desde que su pequeña hija murió ahogada. Pero la profesora sabe que no fue un accidente, sino que dos de sus alumnos, presentes en la clase, han sido los asesinos. Ahora quiere venganza.

Y aunque la historia es muy buena, lo deslumbrante es la forma en la que está contada..

El auténtico genio actual de la estructura fílmica es, sin duda alguna, Tarantino. Ya no sólo por manejar el tiempo como lo maneja, sino por su forma de alargar y acortar secuencias con un talento narrativo que, en la actualidad, no tiene competencia. Puede contarte mil cosas en diez segundos y, de repente, contarte algo de diez segundos en una hora. Libertad absoluta con un estricto control del relato.

Y cuento lo de Tarantino porque muchos directores se han empeñado en imitarlo. Y yo creo que eso es tan complicado como conseguir el toque Lubitsch o el toque Hitchcock (que aunque los críticos se empeñen, no hay muchas películas hitchconianas. No vale, repito, no vale, que a todo lo que sea de misterio lo llamen hitchconiano).

El director de Confessions, Nakashima, muestra su talento en la estructura del relato poco a poco, con un dominio que asusta. Primero te cuenta una historia, y poco a poco, como en La Condesa Descalza, cada personaje aporta algo a ese relato, a veces, un poquito del principio, a veces un poquito del final. Detalles que se van incorporando y que forman el conjunto y puntos de vista que finalmente dan un relato sobrecogedor. Es como una muñeca rusa pero al revés, primero tienes la figurita pequeña y después tienes la misma figurita pero más grande, y más grande...

No es una obra maestra de esas que te dejan noqueado, pero deja ese poso de los buenos relatos. Películas que vuelven, sin que te des cuenta, a tu cabecita en los momentos más raros.

En el desierto actual, un auténtico oásis.

Tres nombres propios: Dave, Ewan y Julio

2011-07-09T01:56:00.001+01:00

DAVE GRUSIN

Ayer fui a un magnífico concierto de Dave Grusin. Ya lo había visto en el Festival de Música de Cine de Úbeda tocando sus propias piezas, pero ahora formaba parte del (magnífico) Festival de Jazz de Las Palmas de Gran Canaria. El grupo completo, en el que la estrella es el guitarrista Lee Ritenour, es absolutamente brillante. La capacidad de sorpresa es ilimitada y uno se da cuenta de lo tremenda que ha sido la experiencia cuando todo termina y el reloj, siempre realista, me dice que han pasado tres horas. Ha sido corto.

Mención aparte y a título personal, la compañía con la que fui al concierto era inmejorable. Pedro (sin nombre completo, que él tiene curriculum) no sólo es el magnífico productor de Jonás y mejor persona, sino que tiene la cualidad de sorprenderme con detalles tan absolutamente surrealistas como presentarse en el concierto con una gran bolsa de plástico llena de cactus ("es que no me acordaba del concierto y no los iba a tirar") y de sacar de su mochila una botellita de gel para lavarse las manos de cuando en cuando. Me encanta tomar cervezas con personas que parecen salidas de una buena telecomedia.

En otro ámbito de cosas, después del concierto nos metimos en un bar infecto lleno de señores mayores con más de una copa de más -de una copa de más de una copa de más. Todos miraban a la televisión, comentando la jugada y estaban completamente integrados con la programación. Y amigos míos, esa es la verdadera España profunda: no hablaban de deporte sino que comentaban una bronca descomunal de Jorge Javier Vázquez a Aída Nízar. Y esto, todavía lo comprendo menos que el fútbol...

Les grabé con el móvil. Imágenes impagables.

EWAN MCGREGOR

Muy friki. En una entrevista televisiva, el actor muestra su manejo de espada láser. Genial. Y cuando el entrevistador se queda alucinado por su habilidad, Ewan contesta: "es que lo estuve haciendo durante meses".

JULIO VERNE

Una tontería. La configuración de mi móvil me ha dejado una extraña sorpresa. No me he dado cuenta hasta hoy aunque esto pasa cuatro días al año. Al mirar la hora, en el lateral derecho del aparato, he leído de forma clarita: "Julio Viernes".

Y durante unos segundos he sido plenamente feliz. A veces la vida es tan sencilla que los pequeños detalles marcan la diferencia... y las vacaciones están tan cerca...

Una última cosa:

Es probable que alguien se haya dado cuenta de que la foto de Emiliy Blunt no tiene nada que ver con el post. Muy buena apreciación.

Cuando he releído lo que he escrito hasta ahora, he pensado que tenía que mejorar el texto y me da mucha, mucha pereza. Y con la foto, el post gana considerablemente. En la vida real, Blunt está casada con John Krasinski, genial en The Office. En la vida imaginaria, está casada conmigo (aunque a veces le soy infiel con la Deschanel).

Ah, ¿por qué hay que ver películas malas? Porque a veces descubres frases que valen su peso en oro:

- Tengo una corazonada.

- Cuidado, Coppola también tenía una Corazonada y le fue muy mal...

Y esto, forma parte de Sed de Venganza, protagonizada por The Rock (actor con un nombre muy ajustado a su calidad artística).

Primer plano de Nicole Kidman

2011-06-30T02:15:00.000+01:00

Igual que con Tom Cruise, tengo problemas con Nicole Kidman. En mi cabeza, tengo algún recuerdo de películas en las que ha estado fantástica, aunque estos recuerdos están escondidos en el subconsciente, bajo una gran capa de botox.

Y ahora, escribiendo estas líneas, he intentado encontrar una foto en Google que acompañara este post y ninguna me ha convencido: en las fotos actuales porque la Kidman aparenta muchos más años de los que tiene, que es lo que se consigue cuando se intentan eliminar las expresiones faciales. Y en las fotos antiguas porque parece que hablamos de alguien que ya no existe, porque la Nicole de Calma Total dejó de existir hace años.

Mis problemas con la Kidman no son tan graves como los que tengo con Tom Cruise, esa extraña pelea interna que mezcla el rechazo visceral a la persona con la admiración absoluta por su capacidad ante la pantalla. Con la Kidman es diferente: nunca he entendido cuando dejó de ser actriz para convertirse en la sombra de lo que fue. Y es cierto, desde que subió su caché y las películas giran entorno a ella, la Kidman ha perdido toda su gracia. Y eso que en la última película de Adam Sandler, en la que hace pareja con Jennifer Aniston, la Kidman está fantástica como la amiga pija del instituto. Curiosamente, en esa película sale un personaje que tiene tanto botox que cada vez que bebe agua, se le cae por la comisura de los labios.

Pero esta noche he recuperado una película de esas que siempre me había dado pereza ver. Y hoy, de forma casual, apareció en mi DVD detrás de un musical y parecía indicar que era su momento: Birth.

Birth no es una película mala. Ni buena. Supongo que mañana la tendré medio olvidada. Es un vehículo para la actriz que, prácticamente, está en todos los planos de la película. Se le ve el cuerpo y se le intuyen las tetas. Y sale muy, muy guapa. De hecho, la película no tiene tantos años, por lo que no me cabe duda que más que el tiempo, la que ha destrozado su cara es ella misma.

Pero Birth, además de la magnífica música de Desplat, tiene dos o tres cosas que la hacen interesante. En primer lugar, la arriesgada historia de una mujer que se enamora de un niño de diez años porque es la reencarnación de su marido. Esto del amor entre adultos y niños, que en España lo hemos tratado con bastante talento en El Nido, de Armiñán, tiene algunas secuencias planteadas con tanta delicadeza y con tanto cuidado que hacen que ver la película no sea una pérdida de tiempo.

Pero lo que acaba inclinando la balanza positiva en Birth es la propia actriz, que está fantástica. Me ha hecho recordar, de repente, que la Kidman no sólo sabe actuar, sino que si la dirigen bien, puede llegar a estar espléndida. Desaparece como actriz para aparecer como personaje, como sólo unos pocos pueden hacerlo.

Y está el primer plano del que hablo en el título, uno que me ha dejado noqueado durante todo el metraje. En cuanto lo he visto, he tenido que rebobinar un par de veces para terminar entusiasmándome con uno de esos planos que se me va a quedar en la memoria cinéfila el resto de mis días. Un planazo.

Les sitúo: el personaje de la Kidman acaba de darse cuenta de que el niño repelente SI puede ser su marido muerto hace diez años. Llega al teatro junto a su novio y la cámara se queda enfrente de ella, con todas las barbaridades que le pasan por la cabeza en un sincero primer plano en el que la música que suena en el teatro juega un papel vital.

Sinceramente, no quiero ser irrespetuoso con los clásicos, pero esta actriz, en este plano, me recuerda a aquel primer plano mantenido de la Bergman en Casablanca. Y que nadie ponga en duda esto: muy, muy pocos actores son capaces de mantener su careto de esta manera durante más de dos minutos.

Birth es normalita, pero este plano es una puñetera obra maestra:

Adios, Michael Scott

2011-06-26T02:08:00.000+01:00

No les engaño. Parece imposible, pero la séptima temporada de The Office es la mejor de todas. Y no es ningún secreto: desde hace años Steve Carell negoció su salida de la serie en la séptima temporada. Los guionistas lo han preparado bien, de una manera mucho más pensada y trabajada de lo que uno, en sus limitaciones, se puede imaginar. Sin paliativos, unos genios.

Pero lo mejor de la temporada no es su humor corrosivo, surrealista a ratos. Lo mejor es que es muy, muy emotiva. Tan emotiva que he estado cerca de llorar en un par de episodios. Y no, no se pone moralista ni tiene esos defectos tan comunes en las series americanas. En realidad, sigue siendo una bestialidad sin mensaje. Humor por humor. A lo Homer.

Y aunque confío plenamente en los guionistas de esta serie, sinceramente no le veo vida sin Michael Scott. Es como un coche fantástico sin coche o un Epi y Blas con un solo personaje. Y la voz cantante que han escogido para sustituir a Steve Carell no es santo de mi devoción: el actor Will Ferrell.

No han buscado otro Michael Scott sino que el nuevo jefe, con el que termina la séptima temporada, es un tipo rebuscado, con un carácter raro... y no me convence. Sé que es pronto y me duele la salida de Scott, pero aún así, no lo veo.

En esta séptima temporada hay momentos memorables. Y está la obra maestra de las obras maestras: el episodio 7x19. No se pueden escribir secuencias más sensibles en un entorno tan divertido. La combinación es perfecta y te saltan las lágrimas, no sabes si por las risas o por la emoción.

Y aunque Michael Scott desaparece de la serie paulatinamente (desde que toma la decisión hasta que lo hace pasan unos cuantos episodios de despedida), hay un momento específico que me vuelve loco: cuando Michael está entregando los últimos premios absurdos de su oficina y sus empleados cantan Seasons of love de Rent, pero con la letra cambiada, con los segundos que han pasado juntos de verdad y con comparaciones tan maravillosas como "podrías haber visto Jungla de Cristal 80.000 veces".

Michael se va con la cabeza bien alta. Y Steve Carell, sólo por su actuación en sus últimos cinco episodios, se merece un altar en el mundo de la televisión:

Sólo una cosa más

2011-06-25T01:39:00.000+01:00

(1927-2011)

Raimi: el director es la estrella

2011-06-23T12:15:00.000+01:00

Son muchos los directores de cine que son estrellas en sí mismos, o sea, que da igual quien actúe en sus películas porque tienen cierto público garantizado. Público fiel como el que sigue a Kevin Smith, Spielberg o Tim Burton.

Yo soy seguidor de Kevin Smith, y sin embargo, no he visto la de Ben Affleck y Jennifer López (esa en la que tienen un hijo que ni recuerdo cómo se llama). Y sigo a Tim Burton, pero no he visto la de la factoría de chocolate porque me da demasiada pereza.

Pero no me perdería jamás un Spielberg, un Hitchcock, un Cronenberg... bueno, la lista es interminable. Pero lo curioso es que jamás me perdería una película de Sam Raimi. Porque Sam Raimi soy yo... O ya me gustaría a mi.

Raimi hace las películas de la manera en la a mi me gustaría rodar. Coge las historias que a mi me gustaría hacer. Y sin duda, tiene un estilo muy particular (aunque ahora hay cientos de películas que copian el estilo Raimi, sobre todo el más desenfrenado, el de la trilogía Evil Dead).

Pero incluso cuando el director se calma y rueda con clasicismo, es un genio, como en el caso de la magnífica Un plan sencillo.

Me vuelve completamente loco la caligrafía de este tipo: sus planos imposibles, sus movimientos de cámara, su montaje. Hay muchas historias sobre su forma de narrar que me entusiasman.

Hay una anécdota que me encanta. Raimi es gran amigo de los hermanos Coen (que por otra parte, trabajan juntos en numerosas ocasiones) y eso ha hecho que en muchas películas de Raimi y de los Coen coleen extrañas colaboraciones. Por ejemplo, se puede ver a Raimi disparando a mansalva en Muerte entre las flores (gran obra maestra de los Coen). Pero cuando se estrenó El gran salto, protagonizada por Paul Newman y Tim Robbins, la crítica la vapuleó. Decían que era el peor trabajo de los Coen... pero había una secuencia que demostraba el talento visual de los hermanos: cuando se creaba el Hula Hoop (o cuando se convertía en un éxito).

Y uno de los hermanos Coen confesó, más orgulloso que ruborizado, que a él también le encantaba esa secuencia... pero no la habían dirigido ellos, sino la segunda unidad, que estaba a cargo de Sam Raimi.

Otra anécdota que me encanta es la de James Cameron, que es un gran director de cine pero que destroza sus películas con sus guiones (tío, en vez de gastarte tanto dinero en el rodaje, invierta en alguien que pula tus escritos). Corría mediados de los 80 cuando Cameron, que ya había rodado Terminator y era considerado un director con futuro prometedor, quedó terriblemente fascinado con Evil Dead 2... pero la fiebre por esta película le dio tan fuerte, que liaba a todo el mundo para que le acompañara a verla. Con esto consiguió ver la película unas cuantas docenas de veces y, además, conseguir que mucha gente de Hollywood la conociera. Hoy sigue considerándola una de sus películas favoritas (y ya es raro, porque el gran proyecto de Cameron siempre fue realizar Spiderman, que finalmente hizo Raimi. El guión de Cameron está dando vueltas por la web hace años).

Y es que Evil Dead 2 no cuenta absolutamente nada (unos tipos en una cabaña que se van convirtiendo en zombies y se matan unos a otros). Un caso único en la historia del cine en el que la película se convierte en una obra maestra única y exclusivamente por la forma en la que se cuenta la historia.

Raimi es una caso especial: es creador de una forma de rodar cuando parecía que todo estaba inventado. Sus primeras películas se estrenaron en una época en la que la estética videoclip primaba sobre la narración cinematográfica y, sin embargo, su forma de rodar recurre a viejos trucos de los años 20 (posiblemente la gran época visual del cine antes de que se estancara la cámara con el sonido).

Sus aportaciones tienen nombre propio: desde Darkman hasta Arrástrame al infierno, desde Spiderman 2 hasta Premonición... y por supuesto, desde Un plan sencillo hasta la saga Evil Dead.

Ningún otro director de cine convertiría una película basada exclusivamente en duelos del Oeste en un espectáculo visual como Rápida y mortal.

Sam Raimi es el Dios de la narración. Atento a las secuencias:

Evil Dead 2 (Terroríficamente muertos): Esta secuencia es mágica. La novia del pobre Ash acaba de morir y la ha tenido que enterrar. cuando regresa a su cabaña, ve su medallón y oye la melodía que ella tocaba al piano. El clasicismo y lo más bizarro en sólo dos minutos y con presupuesto cero.

Es una pena no encontrar en Youtube la elipsis entre el momento en el que Frances McDormand ve como muere Liam Neeson en Darkman y encadena al funeral: una de las grandes elipsis del cine. Más fácil es encontrar la magnífica secuencia del Hula Hoop en El Gran Salto (la secuencia completa es muy buena, pero es cuando el niño encuentra el Hula Hoop cuando es puro cine):

Por último, una escena de Spiderman 2 que demuestra el magnífico humor de Raimi en un sólo plano. El superhéroe pierda sus poderes y debe bajar de un edifico en ascensor. Un vecino sube y la conversación es hilarante...

We´ll take a glass together...

2011-06-16T14:06:00.002+01:00

Creo que ya hablé de este número músical en algún momento de estos años blogueros... pero si yo no me acuerdo, dudo que vosotros os acordeís. De cualquier manera, personalmente, creo que este es el número musical más grandioso de todos los que he visto. Pertenece a Grand Hotel y lo protagoniza el gran, grande, inconmensurable (y tristemente desaparecido) Michael Jeter.

Me he vuelto a cruzar con este número buscando cosas sobre Jane Krakovski, que antes de ser actriz de series de televisión, es cantante de musicales. Y muy buena. Ahora tengo la suerte de disfrutar con ella y Tina Fey en 30 Rock, que es una serie tremenda con algún que otro número musical memorable.

Michael Jeter se llevó el Tony por este papel, pero fundamentalmente, por este número que vas a ver. No llega a tres minutos, pero se merece el primer puesto en mi pequeña historia de los musicales. No caen lámparas ni aparecen barricadas por las esquinas, no hay helicópteros ni caminos de baldosas amarillas, pero... es la quintaesencia del espectáculo musical: dos buenos actores, una magnífica letra, una melodía espectacular y una perfecta línea de coro detrás

Y gracias a cositas como esta (y sus apariciones en Sesame Street) Michael Jeter está en el cielo de las estrellas, que para un tipo como yo, es la memoria colectiva de cualquier persona amante del cine y del teatro.

Disfruten de la esencia del musical:

El Hombre Lobo: de la mediocridad a la calidad

2011-06-13T14:13:00.000+01:00

Bastante sorprendido estoy. En primer lugar porque NO me gustó The Wolfman cuando la vi en el cine... pero teniendo en cuenta factores como la música de Elfman y, joer, que un tipo se convierte en lobo unas cuantas veces durante el metraje, ayer le di una segunda oportunidad. Desde hace meses tengo el Blu-Ray en casa ya que tiene pinta de tener un montón de documentales y esas cosas que hacen mi vida un poco más friki.

Y al poner en marcha la película, me pidió que seleccionara entre visionar la versión del director o la versión de los cines. Supongo que es lógico que el director tenga su versión por la cantidad de problemas que tuvo para estrenar la película, con continuos cambios e intromisiones de todo tipo, con retrasos de estreno de más de un año... con cambios de músico, con alteraciones en la historia, con regrabaciones...

Y aquí es donde debo hacer una pausa. Es curioso como unos pocos segundos de historia puede cambiar radicalmente una película. Así, a primera vista, que Deckard se siente en el piano y tenga un pequeño sueño con un unicornio convierte al Blade Runner más eficiente en un replicante. O incluso, sus segundos finales sobrevolando la llanura verde cambian radicalmente toda la filosofía de la película. Y han hecho correr ríos de tinta.

El giro final de El sexto sentido trastoca toda la película, que incluso pide a gritos un segundo visionado para asumir la inteligencia de la propuesta.

No voy a ahondar en lo importante que es la selección de imágenes, en lo que entra y en lo que sale, pero ayer me tuvo pensando un rato largo. Y es que la versión larga de The Wolfman es bastante buena. Quiero decir, no convierte a la película en una obra maestra, pero es una buena película.

Los cortes de la película (la versión que vi ayer tiene 16 minutos más) no estaban hechos sobre material de efectos especiales, sino sobre personajes. De hecho, creo que son minutos importantes para comprender el personaje de Benicio del Toro. Y es una ley básica del cine: mientras mejor conoces al personaje, más importante te parece lo que le pasa.

Y aún así, la película tiene conversaciones en las que se deja caer que las secuencias eliminadas ya habían desaparecido en pleno rodaje (el caso más claro es la carta. En el cine, Del Toro volvía a su casa tras recibir una carta de su cuñada; pero en la versión ampliada, ella se desplaza hasta Londres para hablar con él. O sea, no hay carta. Y aún así, el resto de la película se habla de la carta que le ha traído al pueblo).

Una vez que el personaje es consistente (o por lo menos, tiene menos fisuras que en la versión extraordinariamente corta del cine), la película adquiere una dimensión nueva. The Wolfman, de repente, es una película respetable.

Por eso me da tanta angustia pensar en las penalidades que debe haber pasado este director para defender su versión, claramente superior a lo que se estrenó en los cines. Y así está el Blu-Ray lleno de escenas eliminadas y escenas alternativas... que incluyen dos finales diferentes al exhibido. Y cuando digo diferentes, no me refiero a un planito por aquí o por allá, sino diferentes de verdad (y la magia del cine hace que haya un inserto de un personaje que, mágicamente, en las tres versiones está en un sitio diferente y siempre queda bien). El cine es así.

Una de las razones por las que ser friki puede ser grandioso...

2011-06-10T20:12:00.000+01:00

Poco hay que decir. Es un vídeo de poco más de dos minutos en un evento de esos en los que habría dado mi brazo derecho por asistir. El artista es Joseph Llobell. No, no. Crees que no lo conoces, pero lo conoces muy, muy bien... por lo menos, has cantado mil veces eso de "Moooovirecord, tututututututu..."

John Carpenter, Tina Fey y los nuevos X-Men

2011-06-05T16:17:00.000+01:00

Esto que está aquí arriba es el Ipad2. Y si tenemos que buscar un culpable de que no haya actualizado el blog en los últimos diez días, es él. Desde que ha aparecido en mi vida, ha cambiado hábitos de rutina y me incita a leer mucho más, a buscar más cosas por Internet, a ver más imágenes y a jugar como un descosido. Es más, gracias a él, he conseguido ganar horas de sueño, ya que me voy a la cama para ver algún capítulo de las mil series que tiene dentro y ya en posición horizontal, es difícil levantar de nuevo el vuelo.

Terminadas las principales temporadas de las series que sigo (con la tremenda tristeza que eso acarrea) decidí meterme con 30 Rock, muy conocida y premiada en USA, pero que aquí en España no tiene demasiados seguidores. Y estoy encantado.

La creadora es Tina Fey, que se ha convertido en mi friki sexsimbol en los últimos días. Esta tipa se hizo muy famosa por sus imitaciones de Sarah Palin y por ser una de las humoristas en nómina del Saturday Night Live. Y ha utilizado la experiencia de su paso por ese show para crear una telecomedia en donde se habla de la creación de un programa de humor semanal en la NBC.

Y en esa rutina se habla de estrellas egocéntricas, de equipo de guionistas pirados, de ejecutivos que están tan interesados en que salga un buen programa como de vender hornos microondas (literalmente)... Y ocurre todo en la NBC de verdad, por lo que se cuelan caras conocidas cada dos por tres.

No sólo es deliciosa sino que a veces puedo oír mis carcajadas. Destacan, por supuesto, los roles de la productora, Tina Fey en persona y el ejecutivo, uno de los mejores papeles televisivos que he visto jamás, encarnado con mucho, mucho talento por el genuino Alec Baldwin.

No está de mas recordar cómo se comía Baldwin la película Glengarry Glenn Ross con sólo siete minutos en pantalla.

En otro orden de cosas, he terminado mi semana X-Men, en la que he podido disfrutar con mi hija de las tres primeras partes, para ayer sábado, acercarnos al cine a ver la nueva película de la saga. Y estoy entusiasmado con lo que han hecho. No sé muy bien la capacidad de mi hija de encajar todo lo que pasa, pero el guión debe ser terriblemente complejo sobre el papel y, sin embargo, en imágenes es diáfano, claro, espectacular. Y no se ha cometido el error habitual en este tipo de películas: por muy espectaculares que sean las imágenes, lo más importante son los personajes, que tienen espacio para hablar, para desarrollarse, para vivir.

Y es que esa es la máxima: para que una imagen sea espectacular, debe existir implicación emocional. Si no hay ninguna implicación emocional, la imagen espectacular es basura, como las de Transformers. Ya se pueden transformar delante mío durante horas que no paro de bostezar.

Mención aparte a la discutida música de la película. Ya has dos bandos bien diferenciados: los que creen que destroza las imágenes y los que, como yo, adoramos el trabajo realizado por Henry Jackman, que le da un toque sutil y poco espectacular a las imágenes. Y adoro la pieza First Class, que es el tema principal.

Por último, tras varios capítulos de series televisivas, el maestro John Carpenter se vuelve a poner tras las cámaras en una cinta de terror llamada The Ward.

Varias cosas me llaman la atención tras ver la película con un grado de disfrute poco habitual: que la música no la ponga el propio director como casi siempre. Que la producción sea tan absolutamente barata: debe ser una de las películas más baratas de los últimos tiempos: decorado casi único, cuatro o cinco actores, efectos especiales de cámara (y un par de momentos digitales de primerizo).

Pero claro, es Carpenter. Dirige con maestría. Con calma. Nada de montajes extraños, sino plano general, plano medio, pequeños travelling... o sea, una verdadera exposición cinematográfica. No oculta la gramática como la mayoría, que ponen planos de menos de un segundo para disimular otras carencias.

Y la verdad es que la película tiene su encanto: una tipa que esta como una cabra la encierran en un manicomio. Dentro de ese recinto, poco a poco, van muriendo las enfermas por una especie de fantasma de una antigua paciente. Pero como siempre con estas cosas medianamente bien hechas, no se trata de un killer en donde van muriendo y ya está, sino que tiene su trama.

Creo que todavía no se ha estrenado en cines, aunque dudo que lo haga. No es la repanocha, pero se trata de Carpenter. Y eso, por si alguno no lo sabe, es un certificado de garantía como la copa de un pino.

La carita de Kirsten Dunst

2011-05-23T22:26:00.000+01:00

No voy a contar todo el rollo este de que a Lars Von Trier lo han echado del Festival de Cannes y le han considerado persona non grata por decir cuatro barbaridades sobre Hitler.

Viendo las imágenes se ve claramente que el director está bromeando, igual que lo hizo Nacho Vigalondo sobre el mismo tema. Curiosamente, sobre Hitler se pueden hacer películas cómicas, sensibloides, obras maestras (como la del Sr. Lubitch o el Sr. Chaplin)... pero no se debe nombrar en Twitter ni en ruedas de prensa.

Pero no quería hablar de eso, sino de la cara de Kirsten Dunst en el momento en que Von Trier (que las malas lenguas dicen que tiene muy, muy mal genio) está metiendo la pata hasta el fondo. Pobrecilla. No sabe donde meterse... tan joven y mucho mas ingenua que el director y, sin embargo, ella se da cuenta de que esto no va a terminar bien:

El último capítulo de Smallville

2011-05-22T04:35:00.001+01:00

Esta imagen lo dice todo.

Pero no, yo no he sido muy fiel a Smallville. Y he leído, para mi sorpresa, que la serie ha finalizado esta semana en Estados Unidos después de diez temporadas.

Cuando comenzó en su primera temporada, mucho antes de que las series empezaran a tener la calidad que tienen ahora (que sí, que ahora podemos decir que hay series que son espectaculares) no existía ni Lost, ni The Wire, ni Mad Men ni The Office. Y Smallville, con esa mezcla de "chicos de instituto" con la mitología de Superman, tenía cierto encanto.

Con el tiempo (yo creo que la dejé en la tercera temporada), esa mitología con la que jugaba empezó a desvariar de forma alarmante. Los personajes, literalmente, comenzaron a hacer cosas como clonarse, y esa raya en la que la mitología de Superman se respetaba con ciertas licencias creativas, se sobrepasó hasta convertir Smallville en Smallmierda.

Eso sí, recuerdo algunos episodios memorables, como aquel en el que aparecía Christopher Reeve y sonaba la música de John Williams. O la aparición de Margot Kidder. Pequeños oasis en el desierto que se convirtió la serie tras cambiar de productores, desaparición de actores y contratación de un equipo de animadoras descerebradas como guionistas.

Pero mi curiosidad es rocambolesca y acabo de ver el último episodio de Smallville, del que, por supuesto, no he entendido nada. No haber visto las últimas cinco o seis temporadas tampoco ayuda. Y por supuesto, la serie no engaña: sigue siendo mala.

¡Ah! Pero tiene los tres últimos minutos finales memorables, sobre todo, por la vuelta de la música de Williams. Es brillante que cuando Clark se encuentra con Lois suene el tema de amor y que suene la marcha de Superman cuando aparece el famoso traje. Pequeños detalles que mi frikicorazón ha agradecido.

Más curioso es que:

1.- En ningún momento se ve al actor con el traje de Superman completo (supongo que por problemas de licencias).

2.- El traje no es original ya que, por la forma del logo, es el mismo creado para Superman Returns... y es que el presupuesto de Smallville siempre ha sido irrisorio.

3.- Ni siquiera en el plano de la foto de este post tiene puesto el traje de verdad. Es un montaje y empiezo a dudar que, ni siquiera cuando rodaron la escena, tuvieran claro que podían emitirla y se cubrieron las espaldas.

En cualquier caso, para los amantes de los spoilers y los que nunca han visto la serie, les dejó con los tres últimos minutos de Smallville, el momento en el que Clark Kent, el pueblerino de Kripton, se convierte en el héroe que todos adoramos. Siempre es un buen momento para escuchar a Williams.

Palabras revolucionarias en mi cabeza

2011-05-18T12:34:00.000+01:00

Ando estos días despistadillo. Ni siquiera pienso en enfermedades y cosas terribles que dan vueltas por mi cabeza cuando no tengo problemas. Y reconozco que tengo miedo de todo lo que está pasando. Pánico. Es como temer a la muerte, que ni siquiera hemos experimentado pero nos hace vivir con terror.

La sociedad que he conocido está cambiando. Miles de jóvenes, tan criticados y tan pasivos hasta ahora... pues resulta que su paciencia tiene un límite. Pero quieren luchar contra el sistema desde fuera del sistema, dando consejos que parecen poco razonables: no votar.

No votar es criticar. Y no se por qué, me da la sensación de que esta crítica a los políticos les resbala. Una amiga mía, la gran Susana, decía en Facebook: "Yo votaré al Partido Antitaurino, porque por lo menos, tengo claro su programa".

Y yo sigo con miedo porque lo único que conozco es el sistema democrático de hoy día. No sé si es bueno o malo, pero tengo claro que los políticos que nos ha tocado vivir no me gustan nada. A los que conozco personalmente, son mercaderes sin cultura, poco preparados, a los que hay que escribir discursos (y eso es lo que hago) porque de otra manera, no pueden poner tres palabras seguidas.

Y todos conocemos a políticos delincuentes. Ya sé que seguramente existen políticos decentes pero mientras un partido político siga permitiendo que los delincuentes se presenten como candidatos, entonces es que la mierda se ha repartido de forma indecente: un partido que permite a un delincuente estar entre sus filas es un partido corrupto.

En realidad, es lo mismo que un sacerdote. ¡Claro que sé que no todos los sacerdotes son pederastas! Pero ellos pertenecen a una Comunidad que ha mirado hacía otro lado cuando se sabía que existían delitos graves. Incluso lo han intentado ocultar. ¿De verdad tenemos que oír sus sermones de moralidad? ¿No sería mejor meterlos en la cárcel?

No soy un niño. Asumo que no vivimos en un mundo justo. Asumo que los que se han vendido como grandes defensores de la libertad prefieren matar a poner en manos de la justicia. Bin Laden era un terrorista terrible pero no ponerlo delante de un juez... entrar en su casa y matarlo... ¿no es terrorismo también?

En España hemos perseguido a los GAL como posesos porque el Estado no podía tener una banda terrorista que matara terroristas.

No voy de bueno. Yo también habría optado por matar a Bin Laden... pero soy una persona que no tiene que tomar estas decisiones. No puedes pedirle a un padre al que han matado a su hijo que opine sobre la pena de muerte. Esas cosas se juzgan desde la objetividad. Y parte de la sociedad moderna, la nuestra, la de Occidente, depende de la justicia, no de la venganza... no nos movemos por el ojo por ojo.

Y ya que he metido en este post algunas cosas que rondan por mi cabeza, voy a decirles algo más: estoy harto de la presunción de inocencia de algunos psicópatas. Al tipo del FMI, con cara de violador nocturno, con antecedentes peligrosos, con un machismo que duele y que creíamos superado, con compañeros franceses que ya sabían de que pie cojeaba, no voy a tenerle respeto. La presunción de inocencia se la doy a quien se la merece. A este canalla que lo juzguen, por supuesto, pero yo me voy a permitir el lujo de llamarlo hijo de puta por adelantado.

Y así como están las cosas, temo que la sociedad se vaya despedazando, que nuestro mundo, tan cómodo hasta hoy, se termine. Tengo miedo de tener una enfermedad y que en la Seguridad Social me digan que, aunque curable, no tienen medios para hacerlo. Tengo miedo de que el poco dinero que tenemos un día deje de tener valor. Tengo miedo de ir al supermercado y darme cuenta de que no hay nada que comprar...

En una época en la que la energía nuclear sólo nos da disgustos. En una época en la que sabemos a ciencia cierta que Canarias se podría auto abastecer con sol y viento pero ningún político se ha atrevido a dar el paso de forma razonable... en una época en la que (según leo hoy mismo) en China las sandías están explotando por exceso de productos químicos inyectados... sinceramente, me apetecía poco hablar de cine y televisión.

El Mago de OZ, en versión Lloyd Webber

2011-05-11T14:58:00.000+01:00

Tiene fama de feo, pero tiene pinta de buena persona

Por mucho que Andrew Lloyd Webber se empeñe en que me caiga mal, saliendo en todos esos espectáculos de televisión de cantantes que quieren alcanzar la fama, con esa cara perenne de estar pensando en otra cosa… la realidad es que su cabeza esconde a uno de los más sorprendentes creadores de melodías y de magia escénica, porque sus musicales tienen eso incalificable que diferencia el teatro musical de la magia pura.

Entre sus aspectos extravagantes, me molesta personalmente el afán recaudatorio, ese que le hace afirmar que una obra es un fracaso personal cuando no alcanza el éxito. Y la verdad es que si la recaudación marcara la calidad, Orson Welles sería un fracasado y Stallone, un genio.

La nueva producción de El Mago de Oz ha sido oportunista por todas partes. En primer lugar, aprovecha el macro éxito de Wicked. Ahora parece que dos días en Londres son perfectos y complementarios para ver las dos partes de Oz. Y aunque hay críticos que se desesperan con las semejanzas, la auténtica realidad es que la bruja debe ser verde y el camino de baldosas debe ser amarillo.

En segundo lugar, el negocio no termina en Wicked, sino que Lord Lloyd Webber ha conseguido convertir la elección de Dorita (que así la llamaban en el doblaje español) en un programa de televisión estilo Operación Triunfo que ha sido todo un éxito (y que yo veía a través de Youtube, no sin cierto recelo).

Es un negocio redondo no sólo por los ingresos televisivos del Lord, sino que convierte en estrella a la jovencita que gane sin que haya pisado un teatro en su vida… Un movimiento inteligente poco propio de un tipo al que le sale dinero por las ojeras.

Y por último, en tercer lugar, la desfachatez más grande: coger un musical como El Mago de Oz, que tenía algunas canciones sueltas -entre ellas el Over the Rainbow y el If I only had a… que se canta tres veces: con el espantapájaros, el hombre de hojalata y el león cobarde- pero que resolvía gran parte de la acción hablando. Y Webber ha rehecho el musical, ha intentado dar unidad y coherencia y ha aportado el resto de las canciones para completar el círculo.

Lo tendría que odiar por todo ello.

Por supuesto, el resultado es espectacular. Tiene magia y encanto, tiene canciones deliciosas y la elección de Danielle Hope ha sido todo un acierto, porque es magnífica y destinada al mundo del gran musical.

Mención aparte se merece la vuelta de Michael Crawford en un papel grandioso: el mismísimo Mago de Oz. En una canción que para otros puede pasar desapercibida, yo veo magia, encanto y a un Crawford vivo y maravilloso. Y hay un quiebro en la canción en la que parece que Crawford se va a convertir en el Conde Fosco de The Woman in White:

Está claro. Puedo intentar odiar a Webber por todos sus movimientos, pero finalmente oigo su música y me lleva a su redil. Inevitable: es un puñetero genio. Y este musical tiene una pinta estupenda.

PD: Lo que no sabía es que vivía en Mallorca durante varios meses al año, en una casa espectacular. Y así lo cuenta en este programa de televisión que no te puedes perder.

Colombo y Spielberg

2011-05-08T23:40:00.000+01:00

Como en esta foto. Así es Colombo, con cara de despistado, olvidadizo, vestido siempre con la misma ropa, con el puro sin encender, con un coche que, en la primera temporada era un trapo y que en la última lo denominan "un clásico", y con una esposa que aparece continuamente en la trama pero a la que nunca se le ha visto la cara.

Es curioso, mis recuerdos de Colombo eran peregrinos, ya que la ponían en la tele cuando yo tenía cuatro o seis años. Con el tiempo y algunas reposiciones, volví a ver algunos episodios... pero la fiebre que me dio hace unas pocas semanas por ver todos los capítulos es extraña. Y ahora, con verdadero conocimiento de causa, sólo puedo decir que me apasiona Colombo.

Terriblemente bien hecha y con un diseño de producción verdaderamente brillante, Colombo tiene una estructura muy rara. Quiero decir, hay que ser muy descarado para hacer una serie de detectives, de policías y ladrones de toda la vida, en la que te presentan el asesinato en los primeros minutos y el espectador sabe desde el principio quién es el malo. Lo que queda de capítulo (suelen ser largos, entre 80 y 90 minutos) es seguir a Colombo durante una hora más para disfrutar "cómo va averiguando las cosas y cómo da con las pistas clave".

Y todo esto se rueda en casas, calles y campos de Los Ángeles. Siendo la ciudad que es, tan cinematográfica pero al mismo tiempo, tan oculta al espectador, es curioso ver esas casas, esos jardines, esos personajes tan estirados, esos teatros y auditorios. En definitiva, Colombo te enseña un Los Ángeles moderno y muy alejado de la España en blanco y negro que vivíamos a principios de los 70.

Y es curioso, ni Peter Falk, ni su gabardina ni su puro me han despertado entusiasmo hasta hace poco. Los que me conocen, aunque fumador, siento un odio profundo por el aroma del puro... y el tema del ojo de cristal siempre me dio cierto mal rollo.

Y ahora, en pleno fin de temporadas de todas las series que me gustan, sufriendo por si conoceré a la mujer de Ted Mosby, sí realmente la maquina de Walternativo va a destruir uno de los dos mundos paralelos o si Michael Scott se va de la oficina, es reconfortante saber que Colombo está ahí para acompañarme unos días más.

Dos cosas más: Peter Falk tiene Alzheimer, o sea, la enfermedad que más nos acojona a todos. Y mientras su familia, como siempre en Hollywood, se pelea por sus bienes - entre la hija de Falk y su nueva mujer está la cosa-, el bueno de Peter ya no se acuerda de nada ni de nadie.

La última foto que tenemos de él es esta, en la que un día se escapó de casa hecho un harapo - la policía tuvo que ir a por él- enrojecido de ira y diciendo cosas inconexas.

Definitivamente, una putada de tamaño colosal.

Por otra parte, por fin he rellenado una laguna que tengo desde que me tengo uso de razón y me gusta el cine: he visto el episodio de Colombo dirigido por Spielberg.

En todos los libros del cineasta americano se habla de su época dorada en la Universal, departamento de televisión. Spielberg llegó a realizar un montón de series y de ahí, le dieron la oportunidad de rodar la película de la semana. El tipo hizo "El diablo sobre ruedas"... Bueno, sólo recordarles que Spielberg es un genio. Nunca está de más decirlo.

Y siempre se habla de que el primer episodio de Colombo es de Spielberg. Hum... extraño juego con el lenguaje. Efectivamente, Spielberg es el director del primer episodio... pero antes hay otro episodio: el piloto.

Con esto quiero decir que los giros de Colombo, el diseño de la serie, el ritmo, la luz... todo estaba ya diseñado en el piloto (que es ese episodio que, según las audiencias que obtenga, tiene continuidad en forma de serie o no).

Y el episodio de Spielberg, escrito por Steve Bochco (por eso le llaman la época dorada de la televisión) está bien. Como todos. No hay atisbo de la personalidad de Spielberg, ni un movimiento de cámara que podamos decir "AHHH, AJÁ", ni cosas raras... ni se le ve reflejado en un espejo ni cruza el cielo una estrella fugaz... es un episodio normal, funcional... bueno, es Colombo, un episodio bueno, como todos.

Por último, un apunte: Colombo no era una serie en sí, sino que formaba parte del Mistery Night, que eran tres o cuatro series que compartían ese nombre genérico. Por eso, la producción de episodios era más cuidada (tocaba un episodio cada mes), y sí tenías mala suerte, te sentabas delante de la tele y veías McMillan y esposa o McCloud en vez de Colombo.

Por eso, no se extrañen si visitan sitios de mal vivir para bajarse la serie y descubren que cada temporada son sólo siete u ocho episodios.

Brian Tyler es un compositor guapo

2011-04-28T16:00:00.000+01:00

Y no lo digo en el sentido coloquial de "música guapa, guapa". No. Lo digo en el sentido literal de la palabra. Me parece que asistió al Festival de Úbeda el primer o segundo año, al que no acudí por el nacimiento de mi segundo hijo.

Pero las crónicas de Úbeda hablan de un tipo joven y guapo. Simpático. Pero fundamentalmente guapo. Buen músico. Buen compositor. Guapo.

Y eso lo he oído cada año, como si cada mujer, cada gay y cada hombre sin complejos confesara que si hay un canon de belleza masculina en la actualidad, es el de Brian Tyler.

A mi Tyler no me apasiona, aunque reconozco que tiene algún que otro temazo. Me gusta oírlo a ratos, en Spotify, en alguna descarga Sinde-ilegal... pero físicamente no tengo ningún CD suyo.

Cierto es que la banda sonora de Battle Los Ángeles me gusta bastante. Y la de Rambo, la última, en la que hace un sentido homenaje a Jerry Goldsmith. Su carrera es muy comercial, vamos, que no son películas de hablar sino de correr y pegar, pero no hay duda de que ha encontrado su mercado.

Sin embargo, Tyler es amigo de hacer grabaciones, vídeos y cosas que sube a su web y sorprende por muchas cosas. Por ejemplo, por la cantidad de instrumentos que toca: el graba con la orquesta y después, complementa en su estudio. No hace, como otros, puro sintetizador en estudio, sino que coge la guitarra, la batería, el piano... y no lo hace así asá... sino que es un auténtico crack.

Por eso, aunque da mucha pereza (incluso a mi me ha costado un par de días ver el vídeo de sólo cinco minutos) esto es muy, muy bueno. Combina una grabación dirigiendo la orquesta con otra de él tocando la batería sobre la música.

Además, la pieza, muy típica del cine que hace, suena muy bien. Pero dejemos las cosas claras: Tyler está muy lejos de ser uno de los mejores compositores del Hollywood moderno, pero tiene un talento descomunal.

Los misterios del tiempo - el post

2011-04-26T12:54:00.000+01:00

Quiero hablar del tiempo, como cuando nos encontramos con alguien en un ascensor y miramos al infinito.

Siempre que salgo a fumar al jardín, sobretodo si es de noche y hace frío, pienso en cosas raras durante unos minutos para terminar con la misma conclusión de siempre: el cine es estructura y tiempo.

Si tienes una buena estructura, es fácil que tengas una buena película. Si juegas bien con el tiempo, tendrás una obra maestra.

María Isbert, de la que hablo en este post a sabiendas de que he omitido la muerte de algunos de mis ídolos en los últimos meses (caso de John Barry) ha muerto hace poquito, por lo que El Mundo ha recogido la que sea, posiblemente, su última entrevista frente a una cámara de televisión. Y aunque María ha muerto muy mayor (edad en la que todos soñamos morir), la realidad es que su mente estaba lúcida y en perfecto estado. Y cuenta que el gran secreto de la actuación, igual que en la música, está en los silencios.

Y nosotros, gracias a la historia del cine, sabemos que los grandes momentos del cine vienen con grandes silencios. Y por eso me han encantado sus declaraciones, tan simples, tan directas, tan llenas de experiencia.

En otro ámbito de cosas (temporales, eso sí), estoy entusiasmado con Source Code. Me apasionan las películas que juegan con la línea temporal y esta es especialmente buena, aunque pierda los papeles en alguno de sus giros.

Lo realmente apasionante de Source Code es como engaña en su filosofía como película. Quiero decir, la venden como una de las grandes superproducciones del año y es una película muy, muy pequeña. Pero yo no me di cuenta hasta que leí las declaraciones de su director, Duncan Jones, en las que afirmaba que quería entrar en Hollywood con una película de gran productora, pero que fuera pequeña y manejable. ¿Pequeña y manejable Source Code?

Y... ¡PUM! ¡Caí en la cuenta! ¡Me había engañado! Comienzo a analizar la película y efectivamente, debe haber costado dos duros. Aunque en EE.UU., que en los presupuestos meten desde aviones privados hasta vacaciones familiares de los actores e incluso cocaína para el rodaje - esto último lo afirmó Dennis Quaid la semana pasada-, debe haber costado algo más.

A lo que voy, por lo que supone de gasto de producción, es una película que se podía rodar en España... pero no lo hacemos. Y desde luego no es por falta de talento (que cuando las cosas salen bien, salen realmente bien) sino por falta de ideas (léase guionistas).

Por otra parte, los guionistas tienen un sueldo decente en la televisión, ¿para qué trabajar gratis? Y es que los productores de cine español son poco amigos de pagar bien la película cuando está por escrito. Y es que ahora, con tanto bloguero suelto, se sabe todo. Más incomprensible es poner un montón de dinero para hacer una película española, en plan superproducción, y presentar un teaser trailer como el del Capitán Trueno, que está entre la indecencia y la película amateur de un grupo de amiguetes con vocaciones cinéfilas.

En otro orden de cosas temporales, es apasionante el libro de Hitchcock que tengo entre mis manos (sí. Era totalmente innecesario comprar otro libro del director ingles, empiezo a contarlos por decenas... pero la carne es débil y la mía, flaca y reluciente por mi visible dieta, más débil todavía). Se llama Los Tesoros de Alfred Hitchcock y es carito, por lo que he tardado un par de meses en comprarlo.


Esa mirada, esa ternura

Cada vez que el libro y yo nos cruzábamos en una tienda, nos echábamos miraditas. Yo lo toqueteé varias veces sabiendo que era absurdo porque viene precintado. Y Hitch me miraba con esa mirada remolona que da miedo y risa al mismo tiempo. Y al final, llegando a la conclusión de que jamás tendré 40 euros libres para comprarme otro libro de Hitchcock, decidí hacer lo que hacen las personas responsables: endeudarme.

El libro es mágico y tiene sus sorpresas. Sus fotos son inéditas (y ya es raro ver una foto de Hitchcock que no sean las de siempre) y cada pocas páginas, aparece un sobrecito con copias perfectas de documentos del director... desde su certificado de nacimiento hasta cartas, páginas de guión, telegramas e incluso un par de álbumes (que plural más raro) de fotos familiares.

Es una delicia ver su letra, ver los apuntes de las esquinas en sus guiones y examinar con lupa cada rincón para encontrar algún dato inédito que se le haya escapado a alguien. Una maravilla.

Y por último, pero también sobre el tiempo, creo que vamos a tener marejadilla este fin de semana. Me dejo tantas cosas en el tintero, que dejamos a Colombo para otro post: "Ah, una cosa más..."

Planazo, planazo

2011-04-14T21:26:00.003+01:00

Cinéfilo hasta la médula pero poco exigente. Quiero decir, aunque soy muy crítico con lo que veo, hay una realidad tangible, este blog y gran parte de mi vida se basa en ver películas. Y ya pueden ser horrorosas que, mientras las veo, me lo paso como un enano. Otra cosa es que las olvide a los diez minutos o sea consciente de que son malas, malas.

Y en todas las películas encuentro un planazo. Es raro que ese plano llame la atención fuera de su contexto, pero una vez metido en la trama, ese plano me deja noqueado y me dan ganas de levantarme de la butaca (en el cine) o del sofá (en casa) para aplaudir como un canalla al tipo que lo ha hecho.

En la última de los Coen el planazo se encuentra cuando la chica sale del río con el caballo, con su cara acercándose a cámara y con la velocidad ligeramente alterada, o en la película que vi ayer, Largo Winch, es un picado del protagonista al timón de una lancha, con el mar, literalmente, ocupando tres cuartas partes del encuadre.

No me pregunten la razón, pero en todas las películas encuentro ese planazo, que está ahí, como un aliciente más.

Hoy veo el trailer de Rise of the Planet of the Apes (en la que confiaba muy poco hasta ver sus imágenes) y saltándose todo el protocolo de los planazos, he encontrado la imagen que me cautiva, la imagen que realmente me lleva al cine. Y por primera vez, es una imagen virtual, un efecto especial, un truco.

Un planazo en toda regla que les obliga a ver todo el trailer. ¿Por qué? Porque tras todo el espectáculo, después del título de la película, hay un primer plano de un mono pensativo, maquinando maldades. Es escalofriante.

El tipo que ha hecho ese plano en concreto, se merece llegar al cielo de los tipos con talento.

I´m Still Here

2011-04-11T15:04:00.000+01:00

Finalmente pude ver el revolucionario documental de Joaquin Phoenix. Bueno, revolucionario para él, que según sus palabras "trata de la búsqueda de identidad del artista".

Y aunque tiene ratos divertidos, este documental es una memez. La mejor parte, la que corresponde a la labor de engaño continuado a sus colegas (que incluye una escena magnífica con Ben Stiller) está amañada, o sea, Ben Stiller actúa y sabe la verdad de toda la historia.

Y su supuesta transgresión es insípida. No. No me ha gustado. Otra cosa (y son palabras mayores) es como el fenómeno periodístico se puso en marcha cuando Phoenix decidió dejar de actuar y comenzar a rapear. Sus apariciones en televisión son mejores que el documental en sí (y aquí, en este blog, ya escribí sobre su entrevista en David Letterman).

Pero cuando descubrimos que la historia no tiene nada que ver con la realidad, que simplemente Phoenix está encarnando otro papel, el documental se diluye entre las manos como una estupidez sin límites.

Y yo, que creo que este tipo tiene realmente talento para la actuación, he sonreído cuando he encontrado en Youtube su vuelta al show de Letterman , esta vez, disculpándose y con una entrevista como Dios manda. Eso sí, se nota que al presentador no le ha gustado que Phoenix le utilizara para todo este montaje... y aunque lo diga de broma, algo siempre queda.

Pero lo mejor de todo es que, en alguna de las entrevistas que vi de Phoenix se le compara con Corey Feldman. Mi generación no ha olvidado a Corey, que desde Los Goonies hasta Gremlins, tan buenos ratos nos hizo pasar.

Pero... ¡atención! No se comparaba a Corey Feldman con Phoenix por el hecho de ser un actor que, de repente, en un extraño giro de la vida, decida ponerse a cantar (de hecho, Corey creció y no le llamaron más para hacer películas), sino por lo mal que cantan los dos. Y claro, Corey lo intentó en serio. No he visto vídeo en Internet que me despierte más vergüenza ajena que este. Hasta me cuesta ver las imágenes, ver como intenta ser tan cool y...

Breve historia de los Títulos de Crédito

2011-04-06T19:09:00.000+01:00

Creo que después de más de 600 post y un montón de años de blog, ya conocen mi fascinación por los títulos de crédito en el cine, por la música que los acompaña y sobre cosas tan variopintas como el plano que abre una película.

En Internet, en la página artofthetitle, me he encontrado un resumen de dos minutos que recoge la esencia de este desmesurado amor por los créditos iniciales, las imágenes que te preparan para el espectáculo y que, gran parte de las veces, son un espectáculo en sí mismas.

A Brief History of Title Design from Ian Albinson on Vimeo.

Érase una vez en América

2011-04-04T00:44:00.002+01:00

Este señor de la foto es Sergio Leone, que para un servidor, es uno de los más grandes directores de cine de la historia.

Lo conocí tarde porque he desarrollado mi gusto por el western con edad tardía. Vamos a ver, siempre me han gustado las películas de indios y vaqueros, pero no veía más que eso: indios y vaqueros.

A Sergio Leone cuesta más comprenderlo y quererlo que a otros grandes directores de cine y tiene una explicación más que razonable: la tecnología. Porque es fácil ver un Billy Wilder en televisión: su fuerza radica en lo que cuenta, la rapidez de sus diálogos, la mordacidad de sus personajes. Pero en el caso de Leone, la gracia y el verdadero talento de sus películas está en cómo lo cuenta. Y para eso, es necesario (repito porque no es una tontería, es una necesidad fundamental) verlo en el formato adecuado. En el formato rodado.

Y en televisión y en VHS ha sido siempre prácticamente imposible ver las películas de Leone a 2,35:1... bueno, es que en este formato, las bandas negras ocupan un gran porcentaje de la pantalla. Y aquí la tecnología se ha puesto a su favor: hoy las televisiones son panorámicas; el Blu-Ray presenta unas copias más que decentes y si buscamos bien, hay algún DVD extrañamente bien editado (bueno, y hay otros que siguen sin respetar los formatos).

Y para empezar este (prometido hace tres años) comentario sobre Érase una vez en América, hay que decir que la gracia de Leone es que cuenta las cosas muy, muy bien. Y aunque todos los directores actuales se desviven y se les hace la boca agua cuando hablan de la influencia de Leone en su cine, la auténtica realidad es que mantener los planos como lo hacía él, con el tiempo necesario... cuando un personaje espera, el espectador espera con él... cuando el montaje se convierte en el auténtico lenguaje de un cineasta... pues todo eso, hoy, brilla por su ausencia.

No digo que las películas de hoy sean malas (Cisne Negro está ahí para recordarnos que en este mismo año se han hecho obras maestras), pero como dijo Robert De Niro una vez sobre su amigo Martin Scorsese: "no sé lo que es, hay películas buenas y después, hay otras con ese algo que las hace superiores".

En segundo lugar, Érase una vez en América, entra dentro de ese terreno pantanoso de las películas que cuesta ver. Yo ya escribí sobre ello en algún post en algún lugar perdido de este blog, pero como Vidas rebeldes, Poltergeist o Il Postino, es de esas películas en que la vida real deja un sabor amargo a sus imágenes. Su particular tragedia.

Sergio Leone, exhausto por un trabajo más que exhaustivo con esta película, comenzó a tener problemas del corazón cuando la Warner reeditó su película para su estreno en EE.UU. Problemas que se fueron complicando (muchos años de trabajo y muchos años de problemas legales) hasta que, finalmente, Leone caía fulminado en el año 89.

Érase una vez en América es, sin lugar a dudas, su mejor película (aunque es difícil escoger entre varias obras tan redondas). El guión se basó en una novela a la que Leone le persiguió la pista varios meses. Cuando la consiguió comprar, pasaron diez largos años de escritura de guión, colaborando con todas las personas que él consideró necesarias (y acreditados al principio de la película ya hay seis o siete). Y cuando lo tuvo todo listo, se sentó en una terraza en Cannes y esperó a que un productor se sentara con él a charlar.

Cuentan las malas lenguas (también lo cuentan los extras del DVD) que Leone le contaba la película a todo el que se sentara allí. Y lo hacía con pelos y señales... y tardaba unas tres horas y media en hacerlo. Y un día, el destino hizo que entre los pelagatos que se sentaban con él, un día lo hiciera un verdadero productor.

Tras rodar la película, el metraje le quedo extremadamente largo. Las personas que han visto el mayor montaje de la película hablan maravillas. Y en gran parte de Europa, la película se estrenó en dos partes con unos ligeros cortes de Leone.

Pero no en EE.UU., que rehicieron completamente el montaje. Eliminaron los cambios en el tiempo y la hicieron lineal. O sea, no empieza con De Niro volviendo a Nueva York, sino con De Niro de niño. En realidad, esto es más burrada de lo que parece, porque todos los elementos están conectados en la historia y no funcionan de forma independiente. Es, valga este símil, como contar Regreso al futuro empezando por 1.955. No tiene sentido.

Como anécdota, en Internet se recalca muchas veces que el que hizo este montaje era el montador de Loca Academia de Policía. Lejos de ser un chiste, efectivamente fue ese montador.

Las peleas verbales y legales de Leone por eliminar esta copia darían para una película maravillosa. La auténtica verdad es que si en EE.UU. se hubiera estrenado desde el principio la copia que conocimos en Europa, Érase una vez en América estaría en todos los libros de cine y se hablaría de ella como hoy hablamos de las películas mayores. Pero no es así.

Un crítico de cine escribió cuando se estrenó la copia maldita de la película: "es, posiblemente, la peor película del año". El fracaso fue tan estrepitoso, que con ánimo de recuperar algo de dinero, finalmente se estrenó la versión montada por Leone. Y el mismo crítico rehizo su artículo en el periódico: "es, posiblemente, la mejor película de la década".

Pero ya era tarde. Ni Morricone fue nominado por una de las mejores bandas sonoras de la historia (y ese Deborah´s theme) ni nadie logro recuperar el entusiasmo de los americanos por la película. Y ya se sabe, parece que si las películas no entran en SU historia del cine, no existen. Y raramente, Érase una vez en América entra en los montajes de las mejores secuencias del cine en las galas de los Oscar e incluso, a algunos actores les cuesta hablar de ella abiertamente. No así a James Woods, que declara abiertamente en el DVD que es la mejor película en la que ha participado y que el tiempo la pondrá en su sitio.

Para los más perezosos, decir que la película pasa en un vuelo. Cada secuencia, como los buenos libros, tiene un pequeño clímax que te empuja a la siguiente y te deja hundido en tu butaca hasta el final (ese magnífico final). Y en medio, mil detalles, mil historias deliciosas (la historia de amor con Jennifer Connelly es brutalmente bella) que, aunque en principio, como me pasó a mi, decidas ver una parte una noche y la segunda parte, otra... al final el buen cine se impone y la ves de un tirón.

E incluso, hay momentos en los que desearías que fuera más larga. Tantos personajes deambulan por la película, que en muchos casos deseas saber más sobre ellos, como el del policía Aiello (me acuerdo de su nombre porque el actor que lo hace es Danny Aiello). La mafia, para conseguir ciertas cosas sobre este personaje, acude al hospital en donde el policía acaba de ser padre por quinta vez (pero este vez, es diferente, es su primer hijo varón). Y cambian a todos los bebés de cuna, de forma que ningún padre sabe cuál es su hijo de verdad. Si esto no es una treta memorable...

De los actores, pues... De Niro en su mejor época, cuando cada papel que hacía era una joya. Y James Woods, que siempre está bien y que en esta película tiene un papel al que agarrarse.

Es la segunda vez que veo Érase una vez en América. Y de repente, ha entrado en mi lista de fundamentales. Es esta y no otras. Y si sólo fueran diez películas (todo un sacrilegio para la historia del cine escoger sólo diez), esta sería una de ellas.

PD: Y aunque Nueva York ha cambiado mucho, mi amigo Julio Rodríguez, fotógrafo al que Dios le dio un ojo clínico fuera de serie, sacó esta foto a finales del año pasado.

La película clásica nunca vista: The Rocky Horror Picture Show

2011-03-28T12:45:00.005+01:00

A finales de lo 80 llegué a Madrid dispuesto a estudiar Imagen y Sonido (aunque a nosotros, en una época precrisis y con ansía de titulitis nos gustaba llamarle por su nombre oficial: Ciencias de la Imagen).

Y para cualquier persona que amara el cine, Madrid era el paraíso: salas en versión original (y lo que es más importante: gente para llenarlas), cinestudios, Filmoteca...). Y más que cines maravillosos, a nosotros nos gustaba meternos toda la tarde en cines de segunda división en los que proyectaban tres películas (con alguna relación entre ellas) de una tanda.

Y de esto no hace tanto tiempo.

Recuerdo ver La naranja mecánica junto a Alguien voló sobre el nido del Cuco. Recuerdo ver un ciclo de Cary Grant con Historias de Filadelfia, Me siento rejuvencer y La novia era él. Y recuerdo el olor a humedad que, posteriormente, siempre ha estado asociado al cine que me gusta. No es muy romántico, pero es así.

Y ya desde esa época sentí la fascinación de la película clásica nunca vista. Todos los cinéfilos tenemos esas películas en la cabeza. Grandes clásicos de los que hemos oído hablar (y de los que incluso, hemos hablado), sobre los que hemos leído y sobre los que centran parte de cualquier conversación de cine con cierta duración... pero que no hemos visto.

Ahora, con Internet, parece que todo es más fácil, aunque la edad hace que la vida se haya acelerado tanto, que raramente encontramos tiempo para hacer lo que realmente nos gusta. Y además, supongo que también es cosa de la edad, cuando uno se sienta delante del ordenador, se olvida de las películas que siempre ha querido ver.

En mi caso, siempre deseé ver The Rocky Horror Picture Show. Y en el año 90 la pusieron en Madrid, en un cinestudio perdido. Mi amigo Javier Matesanz y yo nos movimos por toda la ciudad en su moto, para arriba, para abajo... y nunca logramos encontrar la sala. Lo volvimos a intentar la siguiente semana y encontramos la sala pero ya no proyectaban la película.

La fascinación sobre The Rocky Horror Picture Show, con esas imágenes en mi cabeza, de algún documental televisivo, con gente bailando en las salas de cine, participando de lo que sale en pantalla, vistiéndose como esos personajes extraños y convirtiendo la película en un espectáculo inusitado, ha seguido dentro de mi cabeza hasta hace pocos días.

Pero como tantas otras pelis de las que he leído tantas cosas, se me olvidó bajo una alfombra en algún rincón oscuro de la cabeza. Como A quemarropa, como Traidor en el Infierno... películas que he perseguido y que finalmente, he conseguido ver de alguna u otra manera.

Hace pocos días, paseando por mi tienda roja (ahora, sin publicidad gratuita), me encontré con un Blu-Ray plagado de extras de The Rocky Horror Picture Show, con el magnífico Tim Curry y una espléndida Susan Sarandon.

Por fin, después de más de veinte años, pude sentarme en el sofá de casa para presenciar el gran acontecimiento musical underground de los 70. Y he tardado seis días en tragarme esta infumable película, aburrida, sosa, deleznable, mal hecha y con tan poca gracia.

Eso sí, si algún día la ponen en el cine y la gente va disfrazada como los personajes y dispuesta a cantar, no faltaré. Una cosa es que la película sea horrenda y otra completamente diferente, pasar un rato divertido disfrazado de jorobado.

PD: La música no ha cambiado y tiene algunas canciones memorables...

Pájaros de papel es buena, pero...

2011-03-15T09:30:00.003Z

Con todos los defectos que tiene Pájaros de Papel, que los tiene, es bastante injusto que haya pasado desapercibida. Su director es Emilio Aragón, el payaso mudo, el genial creador de Ni en vivo ni en directo, el presentador de Vip Noche, el doctor Nacho y el gran jefe de laSexta.

No es la primera incursión en el cine de Emilio Aragón, que algunos recordamos la espantosa experiencia de ver Policía, que protagonizaba él junto a la bióloga Anita Obregón. Pero en esta gana por puntos, sobretodo porque Aragón no sale en pantalla, y es que, aunque el cómico es bueno en casi todo lo que hace, cuando actúa dan ganas de meterse en la pantalla y darle una colleja.

La historia de Pájaros de Papel es mágica. Es de esas que nos gustan a todos, con cómicos intentando sobrevivir en plena Guerra Civil. Y el guión tiene momentos francamente buenos, los actores están bien... destacando un cada vez mejor Lluis Homar, que tiene un personaje de entidad al que agarrarse. Y la pluma estilográfica que utiliza Emilio Aragón para escribir las imágenes es elegante. En realidad, tiene planos encuadrados con un gusto exquisito.

Las primeras secuencias, con planos encadenados, música (que también es de él y además, excelente, hasta el punto de que, personalmente, creo que debía centrarse en hacer música de cine y dejar todo lo demás. Sería uno de los grandes compositores en España), hermosos travellings... está muy bien diseñada.

Pero la película no termina de funcionar.

El problema es que todos los elementos juntos chirrían, se ve el mecanismo, se ve el diseño, se ven las ganas de provocar al espectador sentimientos. Y cuando se ve el entramado de forma tan escandalosa, los momentos que dan ganas de llorar, expresamente diseñados para que el espectador sea un mar de lágrimas, no funcionan.

Quizá el mejor ejemplo lo tengamos al principio de la película, cuando Imanol Arias pierde a su familia (no es spoiler desde el momento que lo cuentan en todas las sinopsis y son los primeros cinco minutos de película). Si pensáramos como narrar este momento, haríamos punto por punto lo que hace Aragón, y por tanto, convencional: aquí hay humo, y en el momento que vemos el cadáver, primer plano de Imanol, la música crece hasta inundar las imágenes...

Cuando se estrenó en Cannes la magnífica Cinema Paradiso, tenía muchos problemas, entre ellos, que era larga y tediosa. Y entonces obligaron a Tornatore a cortarla, remontarla, y se negó. Un montador del oficio, contratado por el productor, cogió la película y la montó haciendo el film que conocemos hoy día. Al principio, Tornatore renegó de ella... pero le convirtió en un director estrella y terminó aceptándola. Ahora ya no permite que le toquen sus películas... y ya no le salen películas como esta.

Pues pasa un poco lo mismo. Todos los elementos de una película buena están ahí... pero la magia no funciona. Quizá, al final, la aparición de Emilio Aragón Sr. arregla un poco el desajuste... pero aún así, estando muy cerca de ser una película de las grandes (de lo mejor este pasado año en España), Pájaros de Papel se queda a mitad de camino.

PD: Eso sí, la música es exquisita y espero ansioso la segunda película de Emilio Aragón. Este tipo, con el oficio adquirido en esta película, se va a convertir en un director de cine estupendo. Tiempo al tiempo.

Este blog apoya a Ángel Sala

2011-03-10T01:47:00.003Z

Seré breve.

Supongo que más o menos todos están al tanto de que Ángel Sala, periodista cinematográfico y director del Festival de Sitges, ha sido imputado por proyectar la película A Serbian Film en su festival. La noticia completa se puede leer en todos los periódicos y una simple búsqueda en Google os brindará todos los datos.

En la película se ven barbaridades de un calibre brutal, no pornografía sino un grado más. Leo que incluso hay una penetración a un bebé. Cosas de tremendo mal gusto que me alejan de ser un futuro espectador de esta película. Pero es una película. Ya sé que NO TODO VALE. Lo sé.

Pero es una película. Una película.

No sé si es buena o mala. De hecho, no creo que nunca se llegue a estrenar por estos lares. Y si se estrena, lo hará en una sala X. ¿Pero saben qué? Que la película se mostró en un Festival de Cine, un lugar único en donde se ven muestras de cine que no se pueden ver en otros sitios. Un lugar para unos pocos, con intereses muy concretos, puramente cinematográficos.

Ángel Sala proyectó esta película en el Festival. Posiblemente yo no la hubiera proyectado. Ni ustedes tampoco. Pero de ahí a imputar a este señor por un delito y estar penado con unos meses de cárcel, me parece una barbaridad.

Se empieza prohibiendo estas cosas y se termina prohibiendo a Saturno comerse a un bebé. Y prohibimos cierta literatura clásica en donde la pedofilia es común. Si confundimos la realidad con la ficción (porque lo que pasa en A Serbian Film es ficción), no estaría de más prohibir las películas de Don Siegel, las de Tarantino y las de Peckinpah (sí, sobre todo las de Peckinpah).

Y no debemos escuchar a Wagner, que era claramente de la ultraderecha alemana.

Me da la sensación de que volvemos a quemar los libros en la plaza pública...

La pequeña pelea entre Loles León y Santiago Segura

2011-03-09T10:17:00.009Z

Es prácticamente imposible que en los últimos días no te hayas topado con Santiago Segura en alguna cadena de televisión, en la radio, en la prensa, en Spotify, en Facebook... con su extenuante promoción de Torrente 4.

Yo, que siempre he reconocido la increíble inteligencia de Santiago Segura (porque es así, sin peros) me apasiona oírlo hablar en serio, no con sus coñitas ni con la promoción pura y dura de la película. Pero para oírlo hablar en serio se necesita enfrentarlo a un periodista de calidad. Y yo tuve la suerte de ir conduciendo por la ciudad cuando en el programa de mi adorada Julia Otero se entrevistó al director de cine.

Con bastante sinceridad, el director estaba muy preocupado por el presupuesto de su película, que se le había escapado a 10 millones de euros por el tema de las tres dimensiones. Y aquí apareció la primera clave del gran problema del cine español: si la película sólo va a tener público español, es prácticamente imposible recuperar esa inversión. Seamos claros: Torrente amortizará ese dinero sin problemas, por la impresionante promoción de Segura, por la aparición de Belén Esteban y porque, en realidad, Torrente funciona muy bien en América del Sur.

Pero esta afirmación es muy rara oírla en los directores españoles: saben cuanto cuesta su película, pero no les preocupa lo que puede generar esa película. Nos escudamos en aquello de "esto es un arte y tenemos que defenderlo" para olvidar que esto es un negocio que tenemos que rentabilizar.

Y es que para los directores de cine español, empezando por la política de González Sinde, hay que defender a capa y espada nuestra idiosincrasia, nuestra cultura, nuestra forma de ver las cosas a toda costa. Y si la gente no acude a la sala a ver las películas españolas es porque no saben, porque no tienen criterio o por la piratería. En ningún caso es porque el público que va a los cines no tiene interés en las películas que hacen.

En segundo lugar, y esto me impresiona bastante, el problema del cine español se resume con la pelea (o cambio de impresiones completamente contrarias) entre Loles León y Santiago Segura. Y ese cambio de impresiones, amigos míos, resume los últimos treinta años de cine español.

Cuenta el director de cine que le ofreció a Loles León un papelito y esta se negó.

¿Por qué se negó a salir en Torrente 4? Porque Segura había contratado a Belén Esteban. Para más inri, le soltó la coletilla esa de "contentos nos tienes a los del cine español contratando a la Esteban".

Podría decir muchas cosas sobre esta anécdota, pero es el mismo director el que ofrece diferentes visiones sobre esto. La primera reacción es la más española, el ataque directo: "Pero qué se ha creído esta, que es una cabaretera". Un ataque infantil aunque no desproporcionado y que, además, invita a la reflexión: ¿Cuándo se es actriz de cine?

Es discutible.

Lo que no es discutible es cuando Segura da su versión de los acontecimientos, más en serio y acosado por la Otero (por eso lo de buena periodista):

(aunque entrecomillado, cito de memoria) "En España no tenemos star-system. Si preguntamos por la calle a qué actores le gustaría ver en el cine, la gente contesta a Javier Bardem o Penélope Cruz. O sea, dos actores que ya tienen su Oscar. Por lo tanto, no hablamos de actores de cine español sino de actores de cine. En el cine español no hemos creado nada de eso, la gente no tiene interés por ver películas de un actor en concreto. Por tanto, si yo quiero llevar gente al cine que normalmente no va al cine, tengo que tirar de personas populares de todos los ámbitos.

Esto, en ningún momento, significa que ellos estén mal. Si yo veo que un cameo no funciona y te saca de la película, lo retiro. De hecho, en los tres primeros Torrentes salen personas que eran muy populares en su momento y ahora nadie se acuerda de ellos. Han dejado de ser cameos para ser pequeños personajes.

La gente que me conoce sabe que me dejo la piel en hacer estas películas. Hacer comedia no es fácil y si un personaje muy conocido hace un cameo y no me convence, lo quito. Yo lo que quiero es hacer la película bien, con una factura impecable. Torrente es sucio y un sinvergüenza, pero para hacer que sea sucio y sinvergüenza y que la gente se ría, hay un esfuerzo brutal de un montón de personas que trabajan detrás

Loles León se enfada pero la experiencia me dice que esto funciona. Yo no hago obras maestras, hago películas de buena factura que a la gente le gusta ver. Y si he conseguido que me dieran diez millones de euros para hacer esta película es porque los productores saben que soy rentable.

Mira, Fernando Trueba no vive en este mundo (o por lo menos, no vive en el mismo mundo que tú y que yo). No sabe nada de la gente de la tele. Yo le enseñé Torrente el otro día, fue el primero en verla, y se quedó alucinado con uno de los actores que salen. Tras hablar un rato sobre lo magnífico que estaba y de dónde había salido, le confesé que se trataba del hijo de Isabel Pantoja y que era su primera película. El tipo se quedó muy sorprendido".

Yo creo que los Torrente, además de la magnífica banda sonora de Roque Baños, sirven entre otras cosas para que al final de año, las estadísticas puedan decir: "vean, este año el cine español ha funcionado de maravilla. Hemos recuperado tropecientos millones de espectadores". Y esas cifras ocultan un secreto: si se han estrenado 50 películas españolas, 49 no las ha ido a ver ni Dios y la de Santiago Segura les arregla la vida.

Y yo iré a ver Torrente, no porque crea que es una genialidad, sino que les voy a decir la verdad: me río como un canalla.

Oscars 2011

2011-02-28T13:45:00.003Z

¿Ligeramente enfadado? ¿Frustrado? No.

Sí. Es cierto. La gala ha sido sosa. No ha habido grandes montajes, ni grandes números musicales... y los presentadores han estado simplemente correctos (muy lejos de los grandes momentos de los cómicos de años anteriores y por supuesto, muy lejos del poderío escénico de Hugh Jackman).

Pero son los Oscars: realización televisiva prodigiosa, escenario espectacular, mensajes de agradecimiento cortos, estrellas por todas partes y en el escenario, Kirk Douglas.

Noto ciertos síntomas que me preocupan. Tienen más que ver con el paso del tiempo y con la falta de respeto a la historia. Mis comentarios son un poco de abuelo Cebolleta, pero cuando yo empecé con esto de las galas, allá por el año 83, había un respeto religioso por el pasado. O sea, en la gala se celebraba el presente con la mirada puesta en la Historia.

Los tiempos han cambiado y la generación que empezó con el cine en Hollywood ya no está entre nosotros. Posiblemente el 95% de la sala en donde se celebran los Oscars no sepa quien es Howard Hawks ni Spencer Tracy (por no hablar de personajes menos conocidos como Joseph H. Lewis o Dimitri Tiomkin). No es importante, no tienen por qué saberlo. Pero la falta de referencias al pasado, la falta de montajes de cine clásico, la falta de estrellas de antaño (que haberlas, todavía las hay) convierten el gran acontecimiento del año en una simple ceremonia de premios.

Y antes no era así.

Por otra parte, la gala tiene demasiados elementos mágicos como para negar su encanto. Para empezar, es un acto íntimo que se celebra de madrugada. Yo, a solas con mi café (mis cafés) y el posterior sacrificio laboral (trabajar sin apenas dormir es una tortura en toda regla) forman parte del ritual. Y esos premios, tan mal entregados y que provoca discusiones acaloradas entre cinéfilos con diferencias insalvables...

Y es que los premios siempre están mal entregados (y este año, con el despropósito de la banda sonora: cualquiera de las otras cuatro nominadas era mejor). Pero al mismo tiempo ¿cuando se han entregado los premios a los cuatro actores de forma tan brillante? Y sí, cuando le dieron el Oscar a la canción de Toy Story se oyó un grito en toda Canarias con origen en el salón de mi casa.

Ni Alan Menken, ni David Fincher, ni John Powell se merecerían esto. Mucho menos, los hermanos Coen.

Y diciendo esto, con el corazón en la mano... ¡Que ganas tengo de que lleguen los Oscars del año que viene!

PD: He visto muy viejuno a Spielberg. Por otra parte, es tranquilizador saber que estaba en la sala: él si sabe quien es Tiomkin, H. Lewis, Tracy y Hawks.

Y para los que han comentado la falta de Berlanga en el In memoriam, creo que es evidente que este vídeo está hecho con gente que ha hecho una mínima carrera en Hollywood. Si pusieran dentro de ese vídeo a todos los personajes ilustres del cine de cada país... tendríamos vídeo para horas.

¡Una última cosa! ¿No es guapísima Natalie Portman? Está embarazada, pero me pica en la nariz que el bebé no es mío.

Muy, muy friki

2011-02-25T01:09:00.002Z

La segunda parte que todos estábamos esperando. Y no sólo están metidos los actores más comerciales del momento sino que cuentan con todos los de la primera parte (pero treinta años más mayores). Una genialidad colgada por mi amigo Luis en Facebook:

Balada triste de trompeta

2011-02-21T10:21:00.003Z

Con toda la prensa que ha tenido Alex de la Iglesia en estos días, hablar sobre Balada triste de trompeta es casi anecdótico. Debería ser así... sino fuera porque la película es, con diferencia, el mejor trabajo del director. Sigue teniendo un pequeño bache de ritmo, como en todo su cine, pero está lleno de magia, de imágenes potentes y sobre todo, para los de mi generación, de muchas referencias reconocibles: desde mi adorada Gwendy Stacy hasta el inclasificable Fernando Chinarro.

El diseño de producción, el vestuario, el maquillaje, los actores, la potente-potentísima (y arriesgada) partitura de Roque Baños, el guión y, sobre todo, la impresionante dirección del director español, convierten a Balada en una película magnífica. Me da la sensación de que, al contrario de lo que suele pasar con demasiadas películas actuales, Balada te impregna y no te abandona, como el buen desodorante.

Hay planos que ponen la piel de gallina y no dejo de pensar en Balada como una especie de segunda parte de Muertos de Risa, que hasta hace pocos días era mi película favorita de De la Iglesia.

La figura de Carlos Areces con el vestuario que pongo en la foto de este post es, desde ya y por derecho propio, una de las imágenes icónicas del cine español. ¡Ah! Y yo soy de los que pensaba que Carlos Areces era bastante mediocre. Los que supieron ver que dentro de este tipo hay un actorazo como la copa de un pino, se merecen todos mis elogios. Me ha dejado sorprendido.

Tanto hablar sobre la piratería y me muero de ganas por tener este DVD en mi mano... con sus extras, con sus reportajes, con su making... A lo mejor, la forma adecuada de combatir todo esto es con productos de calidad. Yo, en serio, ya deseo invertir.

No se pierdan, ni por asomo, los títulos de crédito iniciales de la película. El montaje y la música de Roque son espectaculares y, en pocos segundos, te ponen en "modo Balada". Y no escribo sobre Fofito, ni del payaso tonto luchando en la guerra civil, ni del atentado a Carrero Blanco, ni del Valle de los Caídos, que tiene ese nosequé cinematográfico que tira de espaldas... pequeños detalles que necesitarían un post independiente.

Con ustedes, los créditos iniciales:

En Hair no se fuma...

2011-02-15T12:05:00.005Z

Recuerdo escribir en este blog, a modo de defensa, que yo sólo hablaba de cosas que me gustaban. Los tiempos han cambiado, como yo y, cada vez más, hablo de cosas que no me gustan. A modo de queja. A modo de viejo cascarrabias.

Parece que, si suelto las cosas que me indignan, me quedo un poquito más tranquilo. ¿Y saben que es lo que me indigna? Leire Pajín. Porque si alguna vez hemos tenido un tonto entre nuestros dirigentes, ella es la muestra más clara y evidente.

Es triste que el párrafo anterior lo haya escrito yo, socialista de toda la vida y fumador con ínfulas de ex-fumador. ¿Me parece mal dejar de fumar en bares y restaurantes? No (me lo hace más difícil, pero comprendo que la gente no tiene que aguantar mis pecados). Lo que me molesta de verdad es que cada vez que Pajín abre la boca suelta una tontería de tamaño dantesta.

Ahora, resulta que los actores que representan Hair no pueden fumar sobre el escenario. De golpe y porrazo, nos cargamos a los hippies de finales de los 60 y principios de los 70. Ahora quedarán representados por una hermosa peluca y ropas de colores, pero no fumarán. Serán políticamente correctos. Serán hippies de los 70 con hábitos del nuevo siglo.

Y Pajín, en su discurso tranquilizador, dice eso de "igual que en el teatro y en el cine se simulan los asesinatos, también hay formas de simular que fuman". Claro. Vamos a poner a estos actores, supuestos hippies de los 70, un cigarrito electrónico, de esos que venden en las farmacias. De hecho, le recomiendo a la Pajín que los compren con olores diversos porque así, además, la experiencia teatral será más enriquecedora.

A lo mejor soy el único que se da cuenta, pero de aquí a prohibir las películas en las que la gente fuma, sólo existe un minúsculo paso. En realidad, con el cine actual casi no hay problemas, pero si queremos ver alguna de Bogart, de Edward G. Robinson, de Bette Davis... entonces, amigos míos, estamos jodidos... porque esas películas estarán vetadas por gente del talante de la Pajín. Esa que ponía caras raras cuando Alex de la Iglesia estaba sobre el escenario de los Goya.

¿Y saben qué? Que no puedo olvidar que la primera vez que vi a la Pajín como Ministra de Sanidad tenía una pulsera Power Balance en su muñeca (arriba, en la foto).

Soy socialista, pero no tonto. Soy socialista de cuando los socialistas eran normales. Ahora veo esos vídeos de la persona que se encarga de negociar nuestras pensiones (de verdad, no puede ser cierto) y veo las formas de la Pajín y de la Sinde... y lo único que deseo es irme a dormir y despertar en una sociedad diferente.

Sobre los Goya 2011

2011-02-14T00:18:00.005Z

Por primera vez le voy a dar la razón a los que critican las galas de premios: ha sido aburrida. Y lo que es más raro: mal hecha.

Os voy a dar mis razones para pensar así:

1.- En una gala de premios, por muy graciosa que sea, hay que respetar ciertas cosas y no se pueden permitir otras. Por ejemplo, no pueden estar pronunciando mal toda la noche Buried. Si lo hacen los actores, pues vale. Pero no lo comprendo en el tipo que hace la voz en off. Y, por Dios, si existen dudas, digan Enterrado...

2.- No puedo comprender como en una gala de premios, en vez de presentar un clip con las películas nominadas, lo que hacen son falsos trailers que desvirtúan la esencia de esas películas. Se trata de vender el cine antes que reírse de él. Si pones algo gracioso de la película, ten la dignidad de poner después un clip con la esencia de la película.

3.- Vale. Siempre me he colado en la gala y he sido espectador en directo un montón de años... de ahí a dejar que se cuele un espontáneo sobre el escenario es demasiado. Este tipo, multa millonaria YA. Se pasa demasiado y, de verdad, no tiene puñetera gracia dinamitar el trabajo de los demás.

4.- Goya honorífico a Mario Camus. Precioso. Eso sí, cuando sale al escenario y la gente se pone en pie, la voz en off dice: "Con ustedes, Federico Luppi". Hay ciertos errores que no se pueden perdonar.

5.- No se puede dar las gracias a TODA la familia. Creemos que en Hollywood son demasiado estrictos con eso de no permitir que los premiados hablen más de 30 segundos, pero oír a Karra Elejalde repasando su pasado (y eso que lo adoro, pero...) y el ganador al corto de animación hablando más de cinco minutos es insufrible.

6.- ¡Dios mío! Todos los años pasa lo mismo. ¡¿Es tan difícil ponernos el vídeo de los que han muerto este año?! Empieza el vídeo y el realizador de televisión empieza con sus panorámicas sobre el escenario y pasa soberanamente de mostrarnos a los desaparecidos. Es, sin duda, lo peor de la noche. El realizador de la gala es, con todos mis respetos, un inútil.

7.- Los niños son buenos actores por naturaleza, pero debemos ser el único país que los premia sin parar. En realidad, siempre me ha parecido un poco injusto con el oficio de actor que premien a alguien sin experiencia y que no desarrolla su papel con inteligencia, sino con naturalidad. Este año premiamos a dos niños, que supongo que están francamente bien, pero...

En el lado positivo: el magnífico número musical de los actores, los primeros planos de González Sinde como bruja malvada, el magnífico texto que tenía (muy bien preparado) Alex de la Iglesia, el premio al maquillador Pepe Quetglas (la primera persona que, por medio de mi amiga Susana, nos invitó a una noche de rodaje en Madrid: El día de la bestia. Una experiencia maravillosa, aunque lo único que recuerdo bien es el frío demoledor de Plaza de Castilla a la una de la madrugada), la promoción de Torrente 4 por parte de Santiago Segura, ver las (siempre excelentes) piernas de Laura Pamplona (que siempre me ha parecido extraordinariamente guapa) y poco más.

La gala en Televisión Española, sin publicidad de ningún tipo, ha durado más de tres horas. Una pasada. Y Buenfuente bien, como siempre. Natural. Desenfadado. A nadie se le escapa que es un presentador excelente, pero este año ha codirigido la gala, por lo que en parte es responsable de no cortar las largas listas de agradecimientos y de todos esos detalles que hacen que la gala sea la más olvidable en años. Por eso he escrito el post rápido... ya la estoy olvidando.

PD: ¿Era el realizador muy amigo de Emilio Aragón y su preciosa mujer, Aruca? Lo digo porque no han parado de enfocarle en toda la noche, como si fueran los únicos espectadores con enjundia...